Новости сайта

5 мая 2006 "В КРУГЕ ИСТОРИИ". Л.Я. Тимошенко, Д.Е. Загоскин, Е.А. Кибрик, Н.А. Кибрик. Из цикла "Художественные династии". Выставка объединила на территории ЦВЗ "Манеж" произведения четырех мастеров разных поколений, связанных родственными узами. Центральное место в экспозиции занимают произведения Лидии Яковлевны Тимошенко. Это имя хорошо известно специалистам, но не широкой публике, которая лишь начинает открывать для себя творчество удивительно современного мастера. Ее произведения, рассуждения и поступки соразмерны и органически созвучны нерву века. В 2005 году после долгого перерыва большая персональная выставка Л.Я. Тимошенко с успехом прошла в Москве, теперь и петербургскому зрителю предоставлена возможность увидеть наследие художницы, живописные и графические работы которой составляют гордость центральных и провинциальных музеев страны, в том числе ГРМ, ГТГ, ГМИИ им. А.С. Пушкина, Псковского государственного объединенного историко-архитектурного и художественного музея-заповедника. 50-летняя творческая активность Лидии Тимошенко была поделена на две неравные половины: ленинградский довоенный - и послевоенный московский периоды. В первом был Петербург – Ленинград и его особенная художественная культура: воспитание в семье аристократических традиций, учеба в бывшей Школе Императорского Общества поощрения художников, где среди ее преподавателей были П.А. Мансуров, М.П. Бобышов, АА. Рылов; затем - ГИНХУК. Здесь состоялось ее вступление в общество "Круг художников" (1928), одно из самых громких и ярких объединений рубежа 1920-1930-х годов, одним из основателей которого был ее второй муж Д.Е. Загоскин. После знакового правительственного постановления 1932 года, уничтожившего все группировки художников, была еще учеба в аспирантуре АХ – сначала у К.Ф. Юона, затем у А.И. Савинова. Лидии Тимошенко удалось сохранить непосредственность восприятия и собственное лицо и найти яркий эстетический эквивалент эпохи строительства социалистического "рая" в знаменитой "детской" серии – десятках живописных полотен, посвященных детям. Когда после войны у руля ЛОССХа оказались Владимир Серов и сотоварищи, против которого она сенсационно и с неслыханной смелостью публично выступила в 1940 году, Тимошенко приняла решение переехать в Москву, где она прожила долгие годы, но где коллеги воспринимали ее скорее как "жену ЕА. Кибрика". Тяжелый недуг не позволял работать в полную силу, тем не менее, она неустанно работала творчески, иллюстрировала "Евгения Онегина" в живописной и графической технике, создавала произведения в технике эстампа. В 1960-х годах она приобрела негласный статус особо утонченного портретиста, - серия ее портретов, лаконично экспрессивных и раскрепощенных по цвету, стала знаковой для среды московской интеллигенции конца 1960-х. Лишь в 1961 году к Тимошенко, наконец, пришла относительная известность и слава, когда Сергей Герасимов инициировал ее персональную выставку в СХ СССР. Весь свой жизненный путь Лидия Тимошенко стремилась заявить о себе своим, не похожим ни на кого, почерком. Она всячески старалась избежать влияний и подражаний, была непримирима к рутине и обыденности, ординарности и бесталанности и стала ярчайшим представителем не "советского искусства", а искусства советской эпохи, очень разнонаправленного и пестрого, включающего в себя и тиранию, и рабство, а также бунт против и того, и другого. Имя Давида Ефимовича Загоскина, также хорошо знакомое специалистам, долгое время ничего не говорило зрителю. Лишь в наши дни, когда искусство советского периода и, в частности, 1920– 1930-х годов, подверглось кардинальному пересмотру, творчество ленинградского графика и живописца наконец оценено по достоинству. Художественное становление и развитие Загоскина пришлось на годы, переломные для судьбы страны; революция 1917 года, бурные, сложные, трагические двадцатые и тридцатые. При жизни творческая биография художника складывалась удачно - среди ленинградских мастеров он был фигурой заметной. Не только в силу целеустремленного, сильного характера и жизнелюбивой, обаятельной, притягательной для многих натуры. Определяющим стал его талант, яркий и самобытный. Уроженец Белоруссии, получивший художественное образование в Одессе и Саратовском ВХУТЕМАСе, двадцать лет Загоскин прожил в Ленинграде. Это было время интенсивной творческой деятельности, постоянного участия на выставках. Загоскина хорошо знали как активного члена общества "Круг художников". Долгие годы он преподавал в Ленинградском ВХУТЕИНе, много работал в литографской мастерской при Ленинградском отделении Союза художников, занимался монументальной живописью. За недолгую жизнь им было сделано немало. Но после трагической смерти в блокадном Ленинграде зимой 1942 года его произведения были практически утрачены. Из наследия художника сохранилось немногое: ряд живописных и графических работ находится в ГРМ, Саратовском художественном, республиканском Северо-Осетинском художественном музеях. Около двухсот произведений, в основном графических, были спасены И.Б. Загоскиным, племянником художника, которому было в 1942 году двенадцать лет. Сорок с лишним лет И.Б. Загоскин бережно хранил работы. После длительного перерыва с 1987 года они стали появляться на выставках. Экспонирующиеся на выставке графические произведения Давида Загоскина, принадлежащие ныне Коллекции ЦВЗ "Манеж", происходят именно из этого источника.  Иначе сложилась судьба Евгения Адольфовича Кибрика - графика и живописца, выдающегося книжного иллюстратора. В юности входивший в группу "Мастера аналитического искусства" и поки-нувший П.Н. Филонова по принципиальным соображениям, Евгений Кибрик стал одним из наиболее именитых и благополучных советских художников. Его искусство, характерное исторической убеди-тельностью и психологической насыщенностью образов, пользовалось огромным признанием и в на-шей стране, и за рубежом. Регулярно выходили большими тиражами иллюстрированные Кибриком книги, многие из них были отмечены самыми престижными наградами; в 1962 году он был избран действительным членом Академии художеств СССР; вершиной признания стало присвоение звания народного художника СССР (1967). Блестящий педагог, более 25 лет он преподавал в Институте им. В.И. Сурикова, руководил творческой мастерской графики Академии художеств. Интереснейшим пя-мятником своей эпохи стала и книга воспоминаний Евгения Кибрика "Работа и мысли художника", вышедшая уже после кончины мастера.  Нина Александровна Кибрик - внучка Лидии Тимошенко и Евгения Кибрика, через поколение про-должает художественные традиции семьи. График по образованию, она отличается разнообразием творческих интересов, неуемной жаждой освоения все новых и новых полей приложения сил. Это скульптура и монументальные росписи, иконопись и мозаика, эстетическое воспитание детей. В круг ее интересов входит также народная музыка, народное искусство и театр. Несмотря на то, что Нина Кибрик родилась и живет в Москве, своей духовной родиной она считает город Путивль, где начиная с 2000 года участвовала в организации художественных акций, вылившихся в рождение Путивльского международного Фестиваля Искусств "Золотая кувшинка".

4 мая 2006 Музей "Царскосельская коллекция" – Владимир Шагин. "386 рисунков". 29 апреля – 16 июня Выставка "386 рисунков Владимира Шагина" из собрания государственного музея "Царскосельская коллекция" раскрывает одно из уникальных явлений в петербургском искусстве 60-х – 70-х годов. В залах музея представлены никогда не выставлявшиеся ранее работы Владимира Шагина, поступившие в "Царскосельскую коллекцию" из собрания Галины и Натальи Писаревых. Это рисунки городских пейзажей – окраин и пригородов, бытовые сценки, сценки из рыцарских времен. История создания большинства рисунков (особенно это касается жанровых или бытовых композиций) такова: в начале 60-х годов Шагин попадает на принудительное лечение в специальную психиатрическую больницу (как сам он говорил, "филиал КГБ"). Не имея возможности заниматься живописью, он сформировал свою изобразительную систему в графике. Единственным материалом для художника становятся огрызок мягкого графитового карандаша и маленький (с ладонь) кусочек бумаги, который использовался в больничной столовой вместо салфетки. С неизъяснимой любовью и силой художник проживает в этих рисунках свою жизнь, все самое главное для него, да и для всех нас. Женщины, вечеринки, свидания, беседы, выяснение отношений, драки, дружеский спор, семья, мать, одевающая ребенка... Все заново переживается в этих рисунках с неистовой силой, пропевается с глубокой нежностью как знакомый до боли любимый мотив. Владимир Николаевич Шагин родился в 1932 году в Ленинграде, в 1945 – 51 гг. учился в СХШ, входил в так называемый "круг Арефьева". В 1953 г. был принят на третий курс ЛХУ им. Серова, где проучился один год. В 1955 г. женился на своей однокурснице Наталье Жилиной и в том же году поступил в оркестр народных инструментов под управлением А. Катышева – играл на гитаре и контрабасе. После больницы работал разнорабочим, раскройщиком полиэтилена. Умер в 1999 г. в Петербурге. Работы В. Н. Шагина хранятся в собраниях Государственной Третьяковской Галереи, Государственного Русского музея и многих других музейных собраниях России.

4 мая 2006 Foto/grapho Евгения Медведева и Дмитрия Провоторова 27 апреля в художественной галерее "Альбом" (5 линия В.О., д. 36) открывается выставка Евгения Медведева и Дмитрия Провоторова "Foto/grapho" . Оба автора стали известны сравнительно недавно, но уже сумели достаточно громко заявить о себе. В рамках данной выставки Дмитрий Провоторов представит свой проект "Крылья", ранее выставлявшиеся в Музее Набокова, и другие работы, также показанные ранее в рамках различных проектов. Дмитрий Провоторов – фотографический перфекционист. Мастерски используя сложнейшие техники ручной печати и тонирования, он стремится к визуальному воплощению несбыточной мечты всех художников, – достоверной "экранизации" принципиально неэкранизируемого, – снов и видений. Проект "Крылья", главными "героями" которого стали бабочки, – путешествие в иррациональный мир простых объектов, из которых изгнана их тривиальность. Бабочки, утратившие связь с миром естественной природы, становятся частью арт-пространства. Изгнав из этой серии цвет, Провоторов с помощью скупых средств строгой графики рассказал историю, не столько о бабочках, сколько о полете как таковом. Евгений Медведев-Ма, которому в данной экспозиции принадлежит большинство работ, – один из наиболее заметных представителей новейшей формации петербургского фотоарта. Свой творческий метод он называет Pop – up! (его коллега и соратник по культурному движению "Русский арьергард", Кирилл Шаманов, переводит этот термин просто как "Оп-па!"). Термин Pop – up! впрямую отсылает к поп-арту, придуманному легендарным Энди Уорхолом, прибавляя, впрочем, к одному из самых влиятельных художественных стилей ХХ века еще больший элемент спонтанности и неотрефлексированности творческого жеста. Правила этой игры крайне просты, – художник делает вид, что и сам не догадывается, о чем его работы; в свою очередь, зритель делает вид, что не вкладывает сложных смыслов в их восприятие. Художественные средства, которыми пользуется Медведев, более чем традиционны для петербургского ландшафта, это по преимуществу "прямая" черно-белая фотография и ручная печать, иногда с последующим тонированием отпечатка. Но результаты его работы никак не отнесешь к стилю, который принято называть "петербургской фотографией", – рассматривая его фотокартины, мы не увидим привычных глазу туманных пейзажей, адмиралтейского шпиля и Петропавловской крепости. Его интересует совсем другое, – спонтанные метаморфозы человеческого тела, психоаналитические стратегии интерпретации тела как текста. Собственно, Pop up! Жени Ма и есть попытка психоанализа фотографическими средствами, где в роли анализируемого выступает сам фотограф, а в роли аналитика – камера и реальность с той стороны объектива. Художник спонтанным творческим актом лишь высвобождает собственное подсознательное, – изображение создается задолго до нажатия на кнопку, но автор не старается заранее сформулировать его идею, а просто делает то, что приходит в голову. Фотосъемка трансформируется в хэппенинг с непредсказуемыми последствиями. Если автор сам верит результату получившейся работы, то она признается удавшейся. В этом смысле личный опыт становится не менее важным инструментом, чем фотоматериалы, – для того, чтобы "получилось", нужно просто быть готовым моментально разглядеть "свою" идею в окружающем нас визуальном и информационном хаосе. Для него мало что значат законы как фотографии, так и географии – он снимает так, как будто ничего не знает о художественной изоляции, в которой долгое время находилось российское и, в частности, петербургское искусство, явившее собственный академичный и строгий стиль как ответ на визуальное буйство, процветающее в популярной культуре Запада. Сам он скорее склонен позиционировать себя как "буйного" и чурается академизма, – лучшей художественной школой, сформировавшей его отношение к собственным целям и задачам в визуальных искусствах стали пять лет, проведенные Женей Ма в опасных районах Нью-Йорка, Чикаго и Детройта ("Русские там были в основном программистами, у нас было мало общего, поэтому я дружил с черными"). Его американские занятия были разнообразны, – от декора и дизайна помещений до подделки банковских чеков (за что его, собственно, и выслали из страны). Если рассматривать жизнь как художественный жест, то, очевидно, подделка чека – и есть квинтэссенция философии поп-арта: художник создает бесспорно ликвидный продукт, который в свою очередь создает ему легенду (в истории отношений двух стран Евгений Медведев-Ма стал первым русским, принудительно депортированным на родину). Его триумфальное возвращение в Россию в наручниках и в сопровождении двух молчаливых громил-полицейских снимали все центральные телеканалы, – видимо, это и были те самые персональные "15 минут славы для каждого", о которых любил говорить Энди Уорхол. Фигуры, личная история которых не менее привлекательна и интересна, чем собственно визуальный продукт, становятся все более актуальными в пространстве современного искусства, – с точки зрения contemporary art Женя Ма более чем перспективен. По возвращении в Петербург Евгений сосредоточился на куда более безобидных занятиях, – он начал серьезно изучать фотографическое ремесло. Фотографией он заинтересовался еще в Америке, – в Нью-Йорке он снимал жизнь черных гетто. На невских берегах Женя Ма начал строить собственное пространство, населяя его персонажами собственных фантазий и массового бессознательного. Фотостудия "Клип", Балтийская фотошкола, а затем институт "Про-Арте" помогли ему найти необходимую для развития творческую среду и дали технические навыки работы с фотоматериалами, – которыми он, впрочем, с удовольствием и с успехом пренебрегает. Он затрудняется назвать конкретные имена свих учителей, хотя "духовными отцами" в искусстве считает Андрея Чежина и Аркадия Ипполитова. В разговоре о фотографии его мало интересует, "как это сделано", вряд ли он в состоянии долго поддерживать беседу о фототехнике и материалах. Технический прием, возведенный в ранг художественной концепции – это не о Евгении Ма: "Все, что я делаю, я стараюсь делать только на драйве, меня интересует только моментальная эмоциональная отдача. Я не совершенствую технику, меня это вообще мало занимает, – я считаю, что если что-то сильно "зацепит" меня лично, то найдется немало людей, которых это тоже заинтересует". Фотография как технология занимает Евгения Ма приблизительно в той же степени, в которой Уорхола интересовала шелкография или живопись, это лишь один из способов фиксирования визуальной информации, – сегодня он фотограф, а завтра, возможно, займется чем-то еще, например, видеоартом. Глиссандо, скольжение превращается в главный технический прием в написании жизненного текста, – делать то, что хочется сегодня, плавно перемещаясь во времени. Даже внешне Женя Ма – фигура, достаточно экзотическая для петербургского фотографического пространства: при личном знакомстве прежде всего глаз выхватывает резко выделяющиеся на привычном фоне кричаще-яркие цвета его повседневной одежды. И в фотографической среде ему удается оставаться ярким чужаком, принципиально не желающим прибиваться к какому бы-то ни было "лагерю", – традиционалисты упрекают его работы в бессодержательности и отходе от принципов петербургской фотошколы, а радикальные концептуалисты – в излишней мягкости, "душевности" визуального мессаджа. Работы из серий "Тело-рыба" и "Комфорт (Трофмок) " объединяет традиционная ручная техника черно-белой и цветной печати, в которой они выполнены. Ретроспективная выставка в "Альбоме" станет для Евгения Ма своеобразным прощанием с тем периодом творчества, который он определяет как "бессознательный", – в постоянном изменении собственного стиля он пытается найти средства, наиболее адекватные своим сегодняшним художественным задачам. Уже в ближайшем будущем Медведев планирует представить публике результаты расширения как своего технологического арсенала, так и концептуальной базы. Уворачиваясь от определений и обходя формы, кажущиеся ему застывшими и безжизненными, фотограф Евгений Ма стремится к реализации собственных идей при помощи собственной же системы образов, спонтанно выхваченных им из продуктов массовой культуры, или из собственного, – весьма разнообразного и неоднозначного, – жизненного опыта. Сочетание несочетаемого и визуальные парадоксы в работах Евгения Медведева становятся еще и иллюстрацией его индивидуального способа существования в разных средах.

4 мая 2006 Андрей Медведев. "Девушки и дирижабли". живопись, гуммиарабическая печать. 18 - 15 апреля "За мной, товарищи авиаторы, плывите в бездну, я установил семафоры супрематизма" К. Малевич – Супрематизм – 1919 год ХХ век набирает обороты. Петроград, Ленинград, война, революция. Новые имена, названия, символы. Французское слово "авиатор" поэт Велимир Хлебников меняет на русское "летчик". Авиатор Василий Каменский становится летчиком-футуристом. Дирижабль "Норвегия" совершает первый в истории транс-арктический перелет. Новый небесный путь начинается в Италии, родине Маринетти, и тянется вдоль тридцатого градуса западной долготы над старой дорогой "из варяг в греки". Последняя остановка на пути в легендарную Гиперборею находится в пригороде Ленинграда. Роалд и Умберто смотрят в иллюминатор. Внизу проплывают купола Росси, Кваренги, Растрелли, золоченые шпили, ангелы хранители Трезини. Человеческие фигурки движутся по проспекту 25го октября, площади Успенского в сторону царственного Эрмитажа, где недавно поселились картины Матисса. Северные одалиски из окон Ленинградских мансард удивленно разглядывают овальный силуэт космического кита. Сфинксы хранят молчание, по Неве плывет лед. На календаре апрель 1926 года... Следующий полет к полюсу закончится трагически. Дирижабль "Италия" упадет во льдах Арктики. Чудом уцелевший экипаж будет взывать о помощи, и советский радиолюбитель услышит слабый сигнал "S.O.S.". Первым на помощь другу поспешит Амундсен, но его гидроплан навсегда исчезнет в зоне вечной мерзлоты. Нобиле и его команда будут спасены русским ледоколом "Красин". Новые футуристы через полвека поведут свои корабли все дальше и дальше от планеты "Земля".

3 мая 2006 "Религиозные впечатления" Д.Злобина в ВЦ СПб союза художников 28 апреля 2006 года в 16.00 Выставочный центр Санкт-Петербургского союза художников приглашает на открытие выставки «Религиозные впечатления». Дмитрий Злобин. Выставка будет проходить с 28 апреля по 14 мая 2006 г. Отстранённость, вот, пожалуй, что навивают эти полотна даже при беглом взгляде на них. Отстранённость от бренности конкретного времени и места. Поиск же пространства абсолюта сочетающийся с интимными переживаниями религиозного чувства побуждают задуматься о том, какую роль играют в духовной жизни отдельного человека вопросы чистой веры и религии как таковой. Переданы же означенные философские составляющие с помощью техники исполнения, которая, по большей степени, основываясь - условно - на абстрактном экспрессионизме, тяготеет к иконописным (символическим) выражениям основополагающих идей всей серии. Попытка личностного соприкосновения с вечным и общезначимым требует к себе чуткого и, одновременно, объективного подхода. Иначе таковое стремление может обратиться всего лишь поверхностно «светской» саморефлексией. Однако здесь, воплощённая в цветовых и композиционных решениях, мысль появляется из ценных мимолётных ощущений, пускай противоречивых, пускай не всегда сразу раскрывающих свою истинную суть, зато стремящихся двигаться от частного (дольнего) к общему (вселенскому). Не в коем случае отступления от «канона» не являются самоцелью, просто это попытка посмотреть свежим незамутнённым традицией взглядом на давно вроде бы уяснённые вещи, а принимать или нет, понимать или нет дело каждого в отдельности. Это просто «своё» отношение к религии не омрачённое навязчивостью.

3 мая 2006 От Сталинграда до Берлина. К 100-летию художника И.А.Лукомского К Дню Великой Победы Военно-исторический музей артиллерии, инженерных войск и войск связи 5 мая 2006 г. в 14.00 открывает выставку «От Сталинграда до Берлина. К 100-летию художника И.А. Лукомского». Илья Абелевич Лукомский (1906-1954) родился в г. Полоцке Витебской губернии в семье служащего. У Ильи рано проявились художественные наклонности и уже в 16 лет он поступил в Московские высшие художественные мастерские (Вхутемас), где учился у таких педагогов как П.Кузнецов, Л.Бруни, В.Фаворский, Н.Чернышев. С 1929 года принимал участие в художественных выставках, а в 1930 году окончил отделение монументальной живописи и был призван в ряды Красной Армии. После годичной службы, с осени 1931 г., возвратился к творческой работе. Его первая станковая картина “На штурм угля” написана в 1932 г. В том же году он стал членом Союза советских художников. Для юбилейной выставки “XV лет РККА” художник создал большое полотно “Реввоенсовет Особой Краснознаменной Дальневосточной Красной Армии”. Романтика преодоления трудностей – лейтмотив обеих картин. Особую роль в жизни и творчестве Лукомского сыграла Великая Отечественная война. Зимой 1942 г. он получил назначение на фронт и в составе группы Студии военных художников имени М.Б.Грекова отправился в Сталинград. Здесь разворачивались такие батальные сцены, каковых история ранее не знала. Жестокие бои шли за каждый жилой дом, за каждый корпус заводов, превращенные в крепости. После Сталинграда – Ленинградский фронт и далее по тяжелым дорогам войны. Илья Абелевич, как и его соратники-студийцы, прошел с Красной Армией грандиозный путь наступления на врага от Волги до Шпрее, от Сталинграда до Берлина, являя собой образ отважного и мужественного патриота, которому одинаково привычны и боевое оружие, и походная палитра художника. Не случайно он был награжден медалью “За боевые заслуги”. Глубокое проникновение в психологию современников, благожелательное к ним отношение дали ему возможность в годы войны и послевоенный период создать сотни портретов, раскрывающих характеры людей, вставших на защиту родной страны – рядовых бойцов и генералов, летчиков, медсестер танкистов и пехотинцев. Портреты фронтовиков, увиденное и пережитое самим художником, легли в основу большого композиционного полотна “Клятва сталинградцев”, созданного Лукомским позже в 1950 году. Главная тема этой картины - великая любовь к своей Родине, решимость до последнего дыхания биться за ее свободу. В настоящее время это произведение находится в нашем музее. Илья Лукомский был человеком своего времени - целеустремленным в творчестве, преданным эпохе. Он был как бы воплощением вечной романтической молодости, мечты о новой жизни, полной товарищества, равенства и мирного созидания. В этом году исполняется 100 лет со дня его рождения. Светлой памяти Мастера посвящается эта выставка. Предлагаемые вашему вниманию произведения любезно предоставлены сыном художника Василием Ильичем Лукомским. Адрес: город Санкт-Петербург, Александровский парк, 7 Проезд: Ст. м. "Горьковская"

3 мая 2006 "Время перемен" в Русском музее Выставка "Время перемен" - самая масштабная, за историю Русского музея, демонстрация произведений художников, проживавших (именно проживавших так, как лишь часть мастеров представленных на экспозиции можно назвать "советскими") на территории Союза советских социалистических республик в период с 1960 по 1985 год. От оттепели до перестройки, в годы перемен, сделавших возможным сегодняшнее устройство нашей жизни. "Время перемен" - выставка почти современного искусства. Эпоха, которой оно принадлежит, уже стала историей, но история эта еще жива, не скрыта под пылью и прахом времен. Экспозиция устроена так: пойдешь налево - нонконформистское искусство найдешь (именуемое также в дальнейшем и в литературе об искусстве неофициальным, неформальным и искусством андеграунда), пойдешь направо - советское официальное искусство увидишь. В залах официального искусства навстречу зрителю сразу устремляются многочисленные образы вождя мирового пролетариата, эхо иного, сталинского времени. Но уже в следующем зале вас ждет встреча с героями оттепели. Так называемым поколением шестидесятником. Суровые черты в "суровом стиле". Именно так назвали особую манеру молодых художников того времени. Лаконизм их речи близок, опасно близок беспредметному искусству андеграунда, но на этой выставке искусство из официальных выставочных залов и произведения из квартир немногочисленных коллекционеров неформального искусства не пересекутся. Здесь они существуют в строго параллельных мирах. Хотя, чем дальше вы проходите по залам официального искусства, тем меньше ощущаете разницу между ними. Пройдя по залам официального искусства, по залам корпуса Бенуа Русского музея, вы, благодаря устроителям экспозиции, можете побывать и на "квартирной" выставке (явление для описываемого времени весьма характерное). Типовая квартира типового дома хрущевской постройки. Тоже своего рода экспонат и памятник эпохе. Обстановка небольших комнат легко узнаваема, многие и сейчас живут в похожей. Только черно-белый телевизор, да его репертуар позволяют угадать время действия. На стенах тесного помещения картины художников, официально не существовавших. Поэтому и большинство этих работ на выставку предоставили те самые частные коллекционеры. Рассказать обо всех произведениях и художниках выставленных здесь в рамках статьи невозможно, даже перечисленные через запятую они превысят ее объем. Ведь живописных работ всего 250 единиц (правда, авторов немного меньше 200), а еще 80 скульптур (50 авторов) и некоторое количество графических произведений. Ленин ветер революции, советский "романтизм" от Михаила Девятова. Великолепная техника так многозначительно молчащих полотен Гелия Коржева, по которым нетрудно угадать сегодняшнюю религиозную доминанту творчества мастера. Первобытная сила земли и ее детей, крестьян, и неправдоподобно ясная небесная лазурь во взгляде Есенина-ребенка Евсея Моисеенко. Нежный шепот цветения вербы и бесконечная полумгла, окутавшая русскую деревню в "Бегстве в Египет" Оскара Рабина. По-разному можно оценивать как произведения представленные на этой выставке, так и сам способ их демонстрации. Две противоборствующие силы внутри мира искусства страны Советов, такую трактовку увиденного подсказывает сама композиция выставки. Срез культуры, рассказ о том, чем жили и дышали. Можно также, просто и относительно объективно (хотя объективного отношения к искусству не бывает иначе это уже полное к нему равнодушие), оценивать качество представленных произведений. С этой точки зрения, безусловно, выигрывают художники официальной школы. Полный спектр чувств и переживаний. Возвышенное и повседневное, смешное и грустное, сатира и патетика, добро и зло. С завидным постоянством меняющиеся местами. И в конце выставки мини-экспозиция подводящая своеобразный итог жизни и искусства 25 лет советской действительности "1984" год. Посвящение Джорджу Оруэллу. Год между прошлым и настоящим. Писать о выставке "Время перемен" можно долго и много, но чем читать даже самые красочные описания событий лучше (во всяком случаи иногда и это тот самый случай) стать их участником или хотя бы свидетелем. Выставка "Время перемен" ждет вас.

2 мая 2006 В. В. Набатов (1939-1995) Выставка в МВЦ «Петербургский художник» Выставка живописи В.В.Набатова (1939-1995) рамещена в музейно-выставочном центре «Петербургский художник» по адресу: наб. Мойки, 100/ ул. Глинки, 1(вход со стороны Мойки, у Поцелуева моста) rtВячеслав Набатов родился в 1939 году в городе Карасук Новосибирской области в многодетной семье. Любовь к рисованию он проявлял с детства. Первое художественное образование получил в Саратовском художественном училище, после окончания которого в 1967 г. поступил в Институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е.Репина. Учился у В.М. Орешникова и Б.С. Угарова. С 1973 по 1976 г. – в творческой мастерской Академии Художеств СССР. С 1975 г. – член Союза художников и постоянный участник городских, республиканских и всесоюзных выставок. Сейчас его работы находятся во многих музеях и в частных собраниях России и за рубежом – в Германии, Финляндии, Америке, Японии, Австралии. Вячеславу Набатову были доступны и жанр портрета, и пейзаж, и тематическая картина. Однако свою жизнь он посвятил пейзажной живописи.

28 апреля 2006 Александр Филиппов «Петербургские вариации» 4 - 24 мая 2006 года На выставке будут представлены работы 2005-2006 гг. из серий «Коломна», «Тени весны», «Верхний город», «Храмы Петербурга», «Силуэты солнца», выполненные в графико-цифровой технике. Все работы экспонируется впервые. Александр Филиппов родился в 1960 году в Ленинграде. С 1987 года активно принимает участие в художественных выставках. С 2005 года – член Союза художников России. Работы находятся в российских и зарубежных государственных и частных собраниях. Персональный сайт: www.fotorezonans.narod.ru Причины, заставляющие фотографа вдруг изменять привычную технику съемки, могут быть совершенно различны: от сугубо коммерческих до экспериментаторских. Создавая фотографии, представленные на выставке и объединенные под общим названием "Петербургские вариации", Александр Филиппов руководствовался идейным соображением, оказавшимся чрезвычайно актуальными на сегодняшний день. Суть его сводится к тому, что изображения, полученные посредством цифровой камеры, отнюдь не уступают произведениям, созданным "классическим" путем аналоговой съемки. Иными словами, речь идет о том, что создание любого произведения – это вопрос не техники, а таланта автора. В момент изобретения нового самобытного мира инструмент является лишь вынужденным средством. Все работы на выставке - а их около 20 размером 30х40 - датированы 2005 годом и представляют Петербург как отображение четко очерченных поверхностей, форм и линий. К тому же город на фотографиях Филиппова лишен всякого человеческого присутствия. В итоге, в большинстве работ отсутствует та самая предсказуемость, которую следует ожидать от произведений на данную тему. На фотографиях оказывается не столько сам город - в своем грандиозном размахе, удачных ракурсах, выразительных архитектурных деталях и необъятных панорамах, большинство из которых сделано прямо с крыш, - сколько его интерпретация. Избегая пресловутой буквальности, изображения вовсе не теряют осязаемое, реалистичное ощущение пространства и масштаба. Композиция фотографий одновременно насыщенна и проста, а некоторые темные пятна имеют много общего с живописным "мазком". Случайны или преднамеренны все эти приемы, не так уж и важно, ведь их главная стратегическая задача – способствовать расширению нашего представления о возможностях цифровой фотографии. Открытие состоится 4 мая 2006 года в 18 часов по адресу: Казанская ул., д. 5 (второй двор) тел. 312-95-58

27 апреля 2006 Останки, найденные в Андрониковом монастыре, возможно, принадлежат иконописцу Андрею Рублеву В Московскую Патриархию переданы документы о том, что обнаруженные в Москве останки двух человек, возможно, принадлежат знаменитому иконописцу Андрею Рублеву и его учителю Даниилу Черному. Об этом накануне сообщил агентству ИТАР-ТАСС настоятель храма Спаса Нерукотворного, расположенного на территории Андроникова монастыря протоиерей Вячеслав Савиных. По его словам, передан Акт "комплексного исследования по факту обнаружения костных останков в погребении номер 5 в алтарной части храма Спаса Нерукотворного образа в Андрониковом монастыре в Москве". В течение последних 15 лет там "были обнаружены в разное время останки пятерых человек". Вероятно, Рублеву принадлежат останки, найденные в 1992 году. Антрополог Сергей Никитин, который руководил исследованиями, сообщил ИТАР-ТАСС, что "в экспертизе участвовали 18 человек, в числе которых - историки, биологи, антропологи, антропохимики, криминалисты, специалисты в области судебной медицины, рентгенологи и искусствоведы". Согласно выводам антропохимика Елены Александровской, "химический состав костной ткани двух людей из погребения номер 5 сходен, что позволяет сделать предположение о том, что эти люди вели одинаковый образ жизни, имели сходное питание, вероятно, имели одно и то же занятие - работа с металлом, живопись". "Исследование черепов показало, что разница в возрасте погребенных - 20 лет, - отметил ученый. - Предполагается, что одному было 50, а другому - 70 лет". По словам Никитина, "специалисты Российской государственной библиотеки выяснили, что Рублев родился в 70-е годы XIV столетия". Обнаруженные останки были перезахоронены в соборе в 1427 году. "Полное вскрытие было произведено 6 мая 2003 года", - пояснил Никитин. Настоятель храма, между тем, не торопится с полной уверенностью утверждать, что найденные останки принадлежат именно Рублеву. "Последнее слово скажут специалисты Патриархии. Будем надеяться, что уже в этом году мы сможем совершить поклонение святым мощам Андрея Рублева", - заметил Вячеслав Савиных. Иконописец Андрей Рублев был причислен к лику святых в год 1000-летия Крещения Руси - в 1988 году.

26 апреля 2006 Фотовыставка "Человек читающий" 24 апреля 2006 года, в 18.00 в Санкт-Петербурге, в библиотеке им. М.Ю.Лермонтова (Литейный проспект, 19) в рамках культурной акции "Время читать!" открывается фотовыставка "Человек читающий" преподавателей и студентов кафедры кино- и фотоискусства Санкт-Петербургского государственного университета культуры и искусств. На выставке представлены фотоочерки о городских очагах культуры: - Древлехранилище Пушкинского дома (института русской литературы РАН), - кабинете Пушкина в музее-квартире поэта (Мойка, 12), - библиотеке для слабовидящих, а также отдельные работы Владимира Чутко, Павла Сидорова, Юрия Опри, Виталия Логинова. Выставка будет работать до конца мая 2006. На самой кафедре кино- и фотоискусства Санкт-Петербургского государственного университета культуры и искусств в это же время также можно посетить выставку четырех дипломников заочного отделения - Натальи Булдаковой, Алексея Анкушева, Татьяны Крайновой и Анны Юргенс).

26 апреля 2006 «ЛИЦА» («Я слышу их голоса») Среди всех современных портретистов, Алексей Штерн, несомненно, самый выдающийся. В портретном жанре он достиг редкого совершенства. Характер его портретной живописи индивидуален. Он смог соединить древние традиции (фаюмский портрет) с необыкновенной новаторской изобретательностью. Немаловажное значение для работ Алексея Штерна имеет связь с искусством кино. Здесь, наверное, даёт себя знать второе художественное образование живописца. Закончив в 1967 году Харьковский художественный институт, в 1971 году он поступил в школу-студию МХАТ на режиссерский факультет. Так у художница формируется театрально-кинематографический склад ума. В его картинах очевидны игра, ирония, правдивость, глубина. В работе над образом для Алексея Штерна всегда является важным запечатлеть момент, выхваченный из жизни, как бы стоп-кадр. Персонаж предстаёт не в позёрской застылости, а всегда в переходящем движении – кто-то беседует за чашечкой чая, кто-то вдумчиво внимает собеседнику, кто-то прибывает в творческой отрешенности (портрет Л. Лазарева). Крупные планы – ещё одна «режиссерская» находка. Зритель всегда как бы остаётся с персонажем один на один, находит в нем собеседника, интересного рассказчика, слушателя. Грань между картиной и внешним миром почти не ощутима. Порой персонажи Алексея Штерна общаются и между собой – диптих «Академик» (портрет Н. Н. Казанского) и «Экономист» (портрет А. А. Н.). В подобных работах значительную роль играет действие. Важно всё – выражение лица, жест. К тому же зачастую художник придумывает своим героям целые диалоги. Так за каждым портретом скрывается своя история, грустная, даже трагическая, романтическая, смешная, но всегда настолько животрепещущая, что кажется непременно реальной. Художнику не нужно долго искать модель. Образы рождаются сами собой, они вокруг, везде. Торговцы на рынке, просто прохожие, нищие, богатеи, «басурмане» (иностранцы) – в каждом он находит что-то интересное, видит личность, характер. Артистическая натура Штерна-режиссера заставляет играть и Штерна-живописца. Он умеет подсмеяться над своими героями. Так несчастный художник Валерий Лука «себе пальчик оттяпал топориком». Художник явно иронизирует над величием петербургских художников, изобразив их всех вместе в «Автобусе дураков». Адрес здесь очевиден – «Корабль дураков» Иеронима Босха и «Трамвай желаний» Элиа Казан. Но ирония не всегда бывает заранее срежессированной. В деревянном портрете Николая Благодатова физические свойства древесины подкрепили заданный шутливый тон портрета. Художник наделил критика и коллекционера восторженно любопытствующим и в то же время немного наивным взглядом, тогда как голова его во всех смыслах трещит по швам. Деревянная скульптура «Хирургия» или «Пленённый чеченец», темпера «Сосед по спальне» исполнены чёрного юмора. Однако юмор и ирония и даже сарказм Алексея Штерна безобидны. Он по-своему добр к своим героям. Здесь, в месте слияния иронии и добра, рождается тема юродства и сострадания. В данном случае имя художника, Алексей, (Божий человечек) откладывает отпечаток и на творчество художника. Алексей Штерн следует путём через иронию к состраданию, человеколюбию и всякое-живое-любию. Так появилась на свет данная графическая серия. «Лица» - это призыв к миру и взаимопониманию, открывающий нам глаза на самих себя и окружающий мир. Здесь заявлена тема сосуществования рядом человека и животного. Алексея Штерна всегда интересовало человеческое лицо как зеркало человеческой души, на сей раз его взволновало «лицо» зверя. На выставке представлены образы людей и зверей, живущих одной жизнью, переживающие одни и те же чувства. Действительно, велика ли разница – человек ли о двух ногах или лохматый пёс о четырёх! Для искусства это никакого значения не имеет, ведь оно призвано будить в душе лучшие чувства. И всё же художник остаётся честным, изображая мир таким, какой он есть, мир животных и людских страстей. Автор высказывает идею звериного в человеке и человеческого в звере, ведь зверь и человек, связанны друг с другом узами родства и противостояния одновременно. Однако и здесь Алексей Штерн не предаёт своих идеалов, и здесь он крайне остроумен. Так, поранившийся Валерий Лука превращается в «Луку укушенного», благородным профилем красуется мальчик Серёжа, почти до неприличия усердствует играя на трубе хулиган, вожделенно облизывается сладострастный бык Стёпа и, наконец, всем нам остаётся скорбно пожалеть о скоропостижно скончавшемся от птичьего гриппа в марте 2006 года петухе по имени Cock. В этих работах отражены реалии сегодняшнего дня. Итак, Алексея Штерна можно смело назвать летописцем нашего времени, сколь ироничным столь же и правдивым.

26 апреля 2006 Галерея «ДиДи» представляет живопись Максима Лапшина и коллекцию модной одежды творческой мастерской Сони Азархи Открытие выставки и дефиле состоится 12 мая 2006 года в 18 00 в гостинице Redisson Sas. Спонсоры проекта Redisson Sas Royal Hotel, Citybanck Будет представлено 10 эксклюзивных живописных полотен художника, как всегда, посвящённые образу женщины. На дефиле выступят 5 коллекций молодых дизайнеров со своими весеннее-летними коллекциями. С 15 до 31 мая работы художников можно будет увидеть в выставочном зале галереи «ДиДи»

26 апреля 2006 Великая Отечественная Война. Художники-очевидцы Первая галерея советской живописи в Санкт-Петербурге «Львиный мостик» представляет выставку живописи и графики на тему Великой Отечественной Войны. В мае, когда вся страна празднует годовщину дня Победы, мы приглашает посетить наш выставочный зал и познакомиться с работами выдающихся советских художников, отразивших в своем творчестве героические события 1941-1945 годов. В экспозиции можно увидеть уникальную серию рисунков военного времени – творчество фронтовых будней. Портреты командиров и простых солдат, сцены в блиндажах, в походах и госпиталях. Рисунки узника концлагерей Анатолия Первеева и выпускника Академии Ивана Андреева хранят дух суровых военных лет, пожелтевшая, местами обгоревшая бумага передает это неподдельное впечатление. Также представлена серия великолепных портретов участников группы «Молодая гвардия» – уже забытых нашей историей юных героев, отдавших жизнь за свободу страны, эскизы плакатов Юрия Непринцева, написанные для Балтийского флота, офорты Александра Харшака и многое другое. Выставка призвана заинтересовать широкий круг зрителей: ветеранов, любителей советского искусства, коллекционеров.

21 апреля 2006 Центр современного искусства (СПб) Роберто Пачи Дало на фестивале SKIF. 21 апреля 2006 Композитор и исполнитель, театральный режиссер и медиахудожник, Роберто Пачи Дало выступит 21 апреля на фестивале SKIF-10 (в Центре современного искусства на Среднем пр. В.О., 93". Музыкант представит свою последнюю работу "PNEUMA". Это соло для электроники, сэмплера и кларнета. Нечто среднее между нойзом, электро-минимализмом и импровизацией. пространство звука. Пространство, где различные акустические миры объединяются, создавая необычные условия восприятия. Роберто Пачи Дало второй раз в России – в 2003 году он участвовал в фестивале "Scopetone", проходившем в клубе "Порт". Роберто изучал музыку и визуальные искусства (направление "архитектоника") во Фьезоле (Флоренция) и Равенне; с 1997 по 2001 преподавал медиадраматургию в университете Сиены. Пачи Дало является художественным руководителем группы "Джардини Пенсили" ("Giardini Pensili" ит. "висячие сады"), основанной в 1985 году. Он написал и поставил 20 пьес для драматического и музыкального театра в Европе, Америке и на Ближнем Востоке. Его проекты основываются на взаимодействии артистов, техников и теоретиков. В работе Роберто и его группы прослеживается глубокий интерес к истории и памяти. Пачи Дало исследует язык, системы коммуникации и новые технологии в применении к художественным процессам. Пачи Дало – один из пионеров соединения аналоговых и цифровых звуковых технологий. Его произведения востребованы у независимых телерадиокомпаний, музеев и фестивалей в Италии, Австрии, Германии и США. Он работал с такими известными музыкантами как Kronos Quartet, Tom Cora, Fred Frith, Philip Jeck, Han Bennink, Scanner, David Moss, DJ Palotai, Sainkho Namtchylak, Olga Neuwirth, Burkhard Stangl, Alvin Curran. Роберто определяют жанры, в которых он работает, как медиадраматургию и театр слуха. Среди его основных работ: "Time Line" (Санкт-Петербург, 2003), "Метаморфозы" (Рим, 2001), "Lost Memories" (Грац, 1994), "Blue Stories" (Вена, Локарно, 2001). Недавно вышла его последняя книга "Millesuoni. Deleuze, Guattari and the Electronic Music, написанная совместно с Emanuele Quinz.