Новости сайта

24 мая 2007 "Огонь мерцающий". Выставочный зал "Ходынка". Москва. С 14.05.07 по 20.05.07 В Государственном учреждении культуры Выставочном зале "Ходынка" с 14.05.07 по 20.05.07 проходит выставка"Огонь мерцающий" студии Э.М.Белютина художники Космачев А.В. и Лаврова А.В. В Государственном учреждении культуры Выставочном зале "Ходынка"  с 14.05.07 по 20.05.07 проходит выставка"Огонь мерцающий" студии Э.М.Белютина  художники Космачев А.В. и Лаврова А.В. Открытие 17.05.07 в 17.00 с 23.05.07  по 10.06.07  откроется выставка "Скульптарт 2007" будущее российской скульптуры - студенты Строгановского училища. Открытие 23.05.07 в 16.00 с 25.05.07 по 27.06.07  IV Бахрушинский фестиваль  (детский рисунок) и выставка "Театральный музей им.Бахрушина представляет..." фотовыставка  Л.Бурмистрова из фондов музея. Открытие  25.05.07 в 17.00.

24 мая 2007 Фотовыставка Виктора Никитина "Преломление". 25 мая - 7 июня в галерее "ДиДи" Санкт-Петербург. Галерея современного искусства "ДиДи" приглашает на открытие фотовыставки Виктора Никитина "Преломление". 25  мая  -  7  июня  в  галерее  современного искусства "ДиДи" пройдет фотовыставка  Виктора  Никитина  "Преломление". Петербургский фотограф Виктор Никитин представит серию городских пейзажей, где традиционный образ  Петербурга,  с  множеством  каналов,  гнутых оград, с ветреными просторами,  показан через призму его стихий, воды, ветра, тумана. Под действием  стихии  Петербург  преломляется,  искажается,  но  остается непреклонным  и  еще  более  прекрасным и фантастичным. "Дыша духами и туманами"  Петербург  Виктора  Никитина  -  это истинный образ города, такой,  каким  мы  его  видим,  гуляя под дождем, заглядывая в зеркало каналов и переходя дворцовый мост под натиском весеннего ветра.

24 мая 2007 Галерея "Рахманинов дворик" представляет две фотовыставки. Санкт-Петербург. С 18 мая по 5 июня 2007 г. Выставка фотохудожника Владимира Антощенкова, члена Союза фотохудожников России, в рамках проекта "Петербургская рукотворно-серебряная арт-фотография на рубеже веков". С 15 мая по 15 июня 2007 года в галерее отеля "Рахманинов": Выставка рижской школы фотографии "Вчера, сегодня, завтра". С 18 мая по 5 июня 2007 г. Выставка фотохудожника Владимира Антощенкова, члена Союза фотохудожников России, в рамках проекта "Петербургская рукотворно-серебряная арт-фотография на рубеже веков". Владимир Антощенков родился в 1933 году в Ленинграде. В 1957 году закончил архитектурный факультет ЛИСИ, в 1974 году получил ученую степень кандидата архитектуры. В том же году - первые опыты в фотографии: серия снимков о Ленинграде. Свои работы демонстрировал на выставках. С 1986 года - член Ленинградского Фотоцентра, опубликовал несколько фоторабот в различных журналах (включая "Советское фото"). В 1989-1992 гг. - персональные выставки в Санкт-Петербурге: в Доме архитектора, в Географическом обществе, в Ротонде Мариинского дворца и в Смольном соборе. Участвовал в большой выставке "Петербург и петербуржцы". Его снимки видели на персональных выставках в США, в Германии, в Англии. В 1995-1996 гг. - серия публикаций в Санкт-Петербургском журнале "Реалтер". 1997 год, Амстердам: выставка "Санкт-Петербург, город на воде", персональная фотовыставка в Финляндии. С 1997 года фотокомпозиции В.Антощенкова постоянно появляются в журналах "Три искусства", "Дизайн и строительство". В 2000-2001 гг. - четыре персональные выставки: наиболее памятны в Манеже (г. Москва) - выставка "Архитектура России. Итоги тысячелетия" и "Поэтика Санкт-Петербурга") в Петропавловской крепости. В 2004 году персональной выставкой В.Антощенкова открывался в Москве в галерее "ФотоСоюз" выставочный проект "Субъективный Петербург", посвященный 300-летию Санкт-Петербурга. В настоящее время Владимир Семенович - заведующий кафедрой градостроительства Санкт-Петербургского архитектурно-строительного университета, руководит творческой мастерской, читает лекции по архитектурной композиции, по истории градостроительства и по архитектурному анализу. С 15 мая по 15 июня 2007 года в галерее отеля "Рахманинов": Выставка рижской школы фотографии "Вчера, сегодня, завтра". На выставке представлены работы латвийских авторов разных поколений. Каждый из них - личность, со своей историей и судьбой. Но их объединяет единый взгляд на мир, культуру, а значит, возникают и общие "точки зрения". Но "точки зрения" - это не только мироощущение, это и реальное переживание пространства, его определённых слоев, их определённой геометрии и определённом ракурсе. Именно тут и рождается фотография. На выставке представлены документальная и художественная фотография, напоминая о том, что мир слишком многообразен, чтобы ограничивать его какими-то рамками. Разные жанры, стили, формы, техники образуют некий симбиоз - и в этом своеобразие и особенность выставки "Вчера, сегодня, завтра". Интересно, что в рамках одной выставки уживаются фотографии как молодых авторов, Николая Шелушенкова, Нормунда Лайзанса, Вячеслава Спришевского, Илоны Пулкстене, так и признанных мастеров, таких как Валдис Браунс, Артур Дубровский, Виестур Линкс. Виестурс Линкс - награждён титулом AFIAP, фотографией занимается более 25 лет. Первое впечатление при взгляде на его работы - шок! У кого-то легкий, у кого-то не очень. В любом случае, его работы никого не оставят равнодушным. В рамках выставки представлен блок работ из "детской серии". Валдис Браунс прошёл долгий путь профессионального развития. Своих высот он достиг уже в период расцвета чёрно-белой фотографии. Однако это не остановило его творческий дух в пределах одной техники. Сейчас художник фотокамеру "обвенчал" с компьютерной техникой. Браунс - международно-признанный мастер - награждён титулами AFIAP и EFIAP. Артур Дубровский - признанный мастер политической фотографии. Его непременно приглашают на освещение всех значимых политических событий. Он увековечил визит Папы Римского Иоанна Павла II, запечатлел момент, как за независимость Латвии поднимает бокал шампанского Первый Президент России Борис Ельцин. Дубровский вдохновенно освещал визит Президента Польши Леха Валенсы - эти снимки в 1995 году на международной выставке были удостоены высшей награды - Гран При! Артур снимает не только больших политиков, он изумительно чувствует красоту человеческого тела, умеет раскрыть его эстетику. Галерея "Рахманинов дворик" Санкт-Петербург ул. Казанская, 5

10 апреля 2007 Выставка "Весна - 2007" Графика и декоративно-прикладное искусство "Весна - 2007" графика и декоративно-прикладное искусство - выставка произведений Петербургских художников, членов Санкт-Петербургского Союза художников, расположится в пяти залах на общей пло-щади 1500 кв. м. В этом году Союз художников предлагает новую концепцию проведения (традиционного), ежегодного весеннего показа работ Санкт- Петербургских ху-дожников. Экспонирование произведений графики и декоративно-прикладного искусства одновременно во всех залах Союза художников даёт возможность наиболее полно показать творчество различных мастеров, продемонстрировать зрителям богатство направлений и течений современного Санкт-Петербургского искусст-ва. Предполагается участие более 500 графиков и представителей декоратив-но-прикладного искусства. На выставке зрители увидят как произведения из-вестных мастеров, составляющих славу петербургского искусства, академиков, членов-корреспондентов Академии Художеств, Народных и Заслуженных ху-дожников России, так и работы недавних выпускников художественных вузов, отмеченные остротой творческих поисков. Среди участников выставки старейшие художники Санкт-Петербурга: Виктор Вильнер- член-корреспондент PAX, Леонид Кульшаров, Ю. Брехов, Заслуженные художники РФ- Юрий Грецкий, Ирина Грецкая, Олег Кукушкин. молодые художни-ки, успешно развивающие лучшие традиции петербургского искусства. Выставка будет проходить  с 12 апреля  по 4 мая 2007г.  Время работы выставочных залов с 12.00 до 19.00 часов Выходной день - понедельник

10 апреля 2007 Выставка фотографий Антанаса Суткуса в галерее "Рахманинов дворик". Открытие 5 апреля 2007 Санкт-Петебургский Рахманиновский культурный Центр Генеральное консульство Литовской Республики Союз фотохудожников Санкт-Петербурга Представляют выставку великого фотографа нашего времени - Антанаса Суткуса. Выставка откроется 5 апреля 2007 года в галерее "Рахманинов дворик". Антанас Суткус - несомненно, один из самых знаменитых фотографов мира. Выпускник факультета журналистики Вильнюсского университета, он начал снимать еще в 50-е годы прошлого века, вопреки общепризнанным соцреалистическим канонам. Сам того не осознавая, Суткус явился родоначальником школы Литовской фотографии. Началось все в 1969 году, когда по его инициативе было создано общество фотоискусства Литвы, объединившее одаренных фотографов. В то время большинство снимков Суткуса откладывались "в архив", так как они приоткрывали негласную сторону советской реальности, и не могли быть пропущены идеологической цензурой. Однако те немногие работы автора, которые все же появлялись, были замечены на Западе и уже в 1976 году получили высокую оценку Международной Ассоциации художественной фотографии, членом которой мастер является в настоящее время. А с 1996 года Суткус возглавляет Литовскую Ассоциацию Фотографов. Выставки Антанаса Суткуса объехали весь мир, его работы хранятся в музеях многих стран. Среди них - такие престижные и знаменитые, как музеи Виктории и Альберта в Лондоне, Nicephore Niepce (Франция), Музей фотографии Хельсинки, Институт искусств (Чикаго). Из публикаций о творчестве Антанаса Суткуса: "Он нашел свою нишу, чем-то напоминающую место Достоевского в литературе. Лица его персонажей просты и знакомы, сцены обыденны и узнаваемы - но за каждой бытовой ситуацией, движением глаз, поворотом головы читается многослойная история человеческой жизни, философская драма со светлым концом". (А.Чиженок) "Фотографии А.Суткуса отличает простота, их композиция и визуальное решение лаконичны, но содержание всегда очень конденсировано, оно настраивает зрителя на глубокие размышления, и требует прочувствования". (С.Валюлис) "Акт фотографирования для него - процесс познания человека. Модель всегда смотрит прямо в объектив. При этом его открытость сохраняет тайну". (Р.Юренайте) Галерея "Рахманинов дворик" Тел. (812) 312 9558, +7-901-305-6881. ул. Казанская, д. 5 (вторая арка от отеля "Рахманинов") 5 апреля - 15 мая

10 апреля 2007 Информационный центр/Бюро "ФотоДепартамент" представляет фотовыставку Holga - "Очень Ярко". 2 - 30 мая 2007 г. Виктор Гинзбург / Бостон, Витала Тауз / Тель-Авив, лексей Тихонов / Санкт-Петербург. Выставочный зал / Невский пр., 20. БИКЦИМ Библиотеки им. В.В. Маяковского. Открытие выставки - 2 мая в 18.30 25 лет назад в Гонконге было создано нечто, что знатоки фототехники до сих пор не всегда отваживаются назвать фотоаппаратом. Речь идет о пластиковой камере Holga - дешевом среднеформатном аппарате, который первоначально предназначался для небогатых и непритязательных жителей Китая и Гонконга. Holga - европеизированное "ho gwong", что можно перевести как "очень ярко". Трудно сказать, как было придумано это китайское название. Может быть, оно связано с тем, что у пластиковых камер есть только две  установки диафрагмы, для солнечной и "не очень" солнечной погоды? Средний формат, вероятно, был выбран потому, что в начале 1980-х 6-сантиметровая пленка была распространена в Китае больше, чем узкая. Как известно, вскоре ситуация изменилась. Но Хольга от этого не стала коммерческой неудачей - число поклонников камеры все время растет. Виктор Гинзбург: Хольга ни к чему не обязывает, выглядит как игрушка, почти ничего не весит, все знают, что снимает она кое-как, ее никто не боится, от нее не прячутся. Витала Таулз: Несколько лет назад я впервые увидела снимки, сделанные Хольгой. Сказать, что я впечатлилась - не сказать ничего. Я была совершенно ошеломлена ирреальными картинками. Алексей Тихонов: Можно сказать, что традиционные камеры смотрят "широко открытыми глазами". Это не вполне соответствует человеческому взгляду. Я, как близорукий человек, хорошо знаю, что иногда, чтобы что-то как следует рассмотреть, лучше наоборот, зажмуриться. Выставка продлится до 30 мая. Информационный центр/Бюро "ФотоДепартамент" Санкт-Петербург, Невский пр., 20 БИКЦИМ Библиотеки им. В.В. Маяковского

10 апреля 2007 Мэт Лэмб в Петербурге: искусство, способное сближать людей В восресение завершился визит в Санкт-Петербург известного американского художника Мэта Лэмба, творчество которого причисляют к стилю, обособленному от официального, искусству маргиналов - "аутсайдер-арт". В рамках "дней Лэмба" петербургской публике были представлены сто работ художика на двух выставках - в государственном Русском музее и в престижной галерее дизайна Бултхауп. А в субботу художник отметил свое 75-летие в кругу новых друзей и поклонников его творчества. К этому дню он приурочил публичное открытие настенных росписей катакомб лютеранской церкви Св. Петра, расписанных художником во время пребывания в Петербурге. Откровением для публики стало то, что Мэт Лэмб не только успешний бизнесмен, известный во всем мире художник - самоучка, но и энергичный общественный деятель. Главный посыл Лэмба - это дружба и понимание между народами,  а также любовь, которые должны привести к миру и согласию между людьми. Весьма символична стала встреча и знакомство на территории церкви Лэмба с израильтянином Романом Коганом (на фотографии), который работает пресс-секретарем петербургского представительства общественной организации "Еврейское Агентство в России". В заключение вечера Роман, посетивший все выставки Лэмба, подарил юбиляру традиционное еврейское благословление для дома, а художник ответил одной из своих работ.  Гость поблагодарил автора за такой ценный подарок и пожелал ему  здоровья на долгие годы и успеха в воплощении в жизнь его творческих и общественных планов.

4 апреля 2007 Выставка Татьяны Беляевой в галерее "ДиДи". Известная петербургская художница Татьяна Беляева принадлежит к груп-пе художников круга Стерлигова, учеников и последователей Владимира Стерлигова (ученика К. Малевича). Она училась теории формы и цвета по системе Стерлигова в мастерской Геннадия Зубкова, входила в Экспери-ментальную художественно-иследовательскую группу "Форма+цвет". В 1990-х годах у Татьяны Беляевой прошли три персональные выставки в Германии, в галерее Бауэр, Зейхайм-югенхайм (1997), Бюргер центре, Гросс-Биберац, (1999), в Ратуше Зенхайма (1999). Работы художницы на-ходятся в Санкт-Петербурге в Государственном Русском Музее, Музее Ф. М. Достоевского, Музее Анны Ахматовой, Музее нонконформистского ис-кусства, Муниципальном музее "Царскосельская коллекция, г. Пушкин, и других музеях России и Германии. Искусство Татьяны в высшей степени духовно. Подобно всем после-дователям Владимира Стерлигова Татьяна возвращает искусство на путь "классической" парадигмы, когда искусство мыслится лишь в рамках вер-тикали отношений человека с Богом, а художник - лишь проводник. Живо-пись снова, после постмодернистской игры, становится частью богослуже-ния, но уже не подобно иконописи, а в виде служения Богу самого худож-ника. Выставка открывается на пасхальной неделе, и большинство работ связано с темой радости Воскресения, в них также присутствует тема вес-ны, праздника, радостной беседы. Работы Татьяны Беляевой пронизаны светом, который пробивается через масляную живопись и воздействует на зрителя. Сама палитра художницы настолько нежная, гармоничная, что при взгляде на ее картины возникает полное ощущение, что и сам зритель начинает светиться духовным светом, а полотна - это некие окна, проходы в мир фантазии. Предметы на полотнах Татьяны Беляевой растворяются, накладываются один на другой, из этого наложения рождается новый об-раз, преображенного предмета, казалось бы, под воздействием яркого дневного света, а в действительности - это природа, преображенная от све-та Воскресного. Некоторые работы выполнены в традиционной для стергиловцев светлой гамме, другие в характерной для художницы так называемой "рус-ской" палитре, где много коричневого, теплого серого. И если первые за-ставляют нас вспомнить фрески, другие картины уводят в воспоминания о деревенском пейзаже. Все это создает поистине пасхальное настроение, когда выходишь из храма на весенние русские просторы. Искусствовед Елизавета Шагина.

2 апреля 2007 С 21-22 апреля арт-группа MANRO на своей территории презентует работы Friends of Mutants Crew. В индустриальный интерьер проекта FАБRИКА (г. Москва, Переведеновский переулок, д.18) проникнут и поселятся на два дня мутанты и инопланетяне. Формат: выставка команды молодых иллюстраторов и одного фотографа. Будут представлены графика, арт - граффити, цифровая фотография, инсталляции на заданную тему. При поддержке арт-галереи MANRO произойдет второе пришествие группировки FMC (Friends of Mutants Crew) в реальный мир. Вы видите инопланетян или мутантов? Нет? Это нормально. И большинство людей их тоже не видит. И живут себе спокойно. А ОНИ видят! И рисуют их! Мир вокруг нас постоянно мутирует, образуются новые материи, организмы. Это началось давно, и продолжается сейчас. Мутанты уже здесь. Команда FMC - это союз людей, живущих мыслями в иных мирах. В их головы проникли мутанты и поселились там. Теперь все, что они делают, происходит по чужой воле. Противостоять этому невозможно, нужно дать мутантам возможность говорить. FMC называют себя агентами не земных цивилизаций. Их миссия - наладить и поддерживать связь между Землей и космосом. Их мысли переполнены образами мутантов, уродов, инопланетных существ, которые вытворяют все, что хотят. Их энергия подпитывает и движет FMC вперед. Мутанты руководят и направляют их извне. Через творчество FMC инопланетный разум пришел на Землю. В работах художников мутанты живут, дерутся, воюют, любят и размножаются. Но они все делают по-своему, не так как мы. Эта тема давно интересовала всех. Сейчас ребята из FMC готовы говорить об этом открыто. Есть и другие люди, которые утверждают, что имели контакт с инопланетными существами. Об этом рассказывается на телевидении, пишутся книги, имеются фото- и видеоматериалы. Работы FMC выдают информацию, идущую напрямую через мозг. Арсенал FMC - графика, арт-граффити, цифровая фотография. Все эти средства наиболее современны и помогают передавать нужную информацию. На этой презентации каждый увидит то, что ему дано увидеть. Глубина проникновения и сила контакта будет зависеть только от Ваших личных способностей и близости к космосу.

29 марта 2007 Выставка Татьяны Беляевой "Образы Воскресенья" С 11 апреля по 4 мая в галерее ДиДи пройдет выставка "Образы Воскресенья" известной петербургской художницы Татьяны Беляевой. Татьяна Беляева принадлежит к группе ху-дожников круга Стерлигова, учеников и последователей Владимира Стерлигова. Искусст-во Татьяны в высшей степени духовно. Ее работы пронизаны светом, который пробивает-ся через масляную живопись и воздействует на зрителя. Выставка открывается на пас-хальной неделе, и большинство работ связано с темой радости Воскресенья, в них также присутствует тема весны, праздника, радостной беседы. Сама палитра Татьяны Беляевой настолько нежная, гармоничная, что при взгляде на ее картины возникает полное ощуще-ние, что и сам зритель начинает светиться духовным светом, а полотна - это некие окна - проходы в мир фантазии. Предметы на полотнах Татьяны Беляевой растворяются, накла-дываются один на другой, так рождается новый образ, преображенного предмета, казалось бы, под воздействием яркого дневного света, а в действительности - это природа, преоб-раженная от света Воскресного. Приглашаем всех посетить выставку этой удивительной художницы.

27 марта 2007 Выставки педагогов и студентов института декоративно-прикладного искусства (Санкт-Петербург). С 28 марта по 8 апреля 2007 г. Выставочный центр Санкт-Петербургского Союза Художников приглашает на открытие выставки педагогов и студентов института декоративно-прикладного искусства. Открытие: 27 марта 2007 г. в 17.00 часов. НОУ ВПО "Институт декоративно-прикладного искусства" - негосударственное образовательное учреждение. Еще 10 лет назад это звучало странно. Сейчас Вы можете увидеть нелегкий и необыкновенно интересный процесс формирования структуры, позволяющий дать начинающему художнику целостное образование. ВУЗ объединяет основные виды искусства (изобразительное искусство, театр, вокал, хореография) в единый комплекс. Как говорит один из искусствоведов нашего города А.Ф.Дмитриенко, в нем есть так необходимое сейчас триединство муз - идеи, берущие начало в образовательном процессе 20-х годов ХХ столетия. Объемная выставка работ учащихся этого уже известного Санкт-Петербургского ВУЗа покажет, что эти слова облечены в реальную форму. В экспозиции предусмотрены изысканные гобелены и  батики, тончайших по замыслу, исполнению и технике графические листы, великолепные образцы графического дизайна, изделия из металла в диапазоне от ювелирного искусства до интерьерной скульптуры.

23 марта 2007 Марина Баканова "Времени нет. Есть Марокко". Российский этнографический музей (Санкт-Петербург). 21 марта - 14 апреля 2007 г. 21 марта в Санутт-Петербурге откроется персональная выставка петербургского фотографа Марины Бакановой "Времени нет. Есть Марокко". Место проведения: Российский этнографический музей. Если встать на самом краю Европы, так, чтобы у ног плескались волны Гибралтарского пролива, то можно увидеть берег Марокко. То есть Африку, ее самый север. Оказывается, Африка очень близко. Это та ее часть, где смешалось множество культур, а смешавшись - многократно обогатили друг друга... Для того, чтобы эта удивительная страна приоткрыла путешественнику свои тайны и показала свою удивительную красоту, ее следует полюбить. Ее нельзя просто посмотреть и сделать какие-то выводы, чтобы с уверенностью рассказывать знакомым. Знаменитый базар в Марракеше можно показать на картинке, но правдой будет нечто большее: аромат пряностей, берберская  музыка до самого утра, европейцы, похожие на туарегов, которые приехали сюда однажды, и остались навсегда... И это еще не Марокко. Потому что Марокко - это больше. Это глубже из времени Аль Магриба  в средневековье и дальше. Это дальше на юг, через горные перевалы, или вдоль океана, мимо рощ целебных деревьев аргана, по ветвям которых скачут козы, в пустыню Сахара. Пустыня богата. Там, как нигде больше в мире, огромными кажутся звезды. Там кочевники первобытно счастливы. Они водят в среди барханов караваны и группы туристов, желающих оказаться наедине с бесконечностью песков. Сами кочевники предпочитают отдыхать в Париже и Скандинавии... Пустыня учит иронии. Горы - осмотрительности. Атлантический океан - уважению к неиссякаемой силе воды, состязаться с которой в величии может разве что время. Место и дата проведения: 21 марта  - 14 апреля  2007 г. Российский этнографический музей Санкт-Петербург, Инженерная ул., 4/1 Марина Баканова  Фотограф Родилась в Ленинграде. Училась на физическом факультете Ленинградского Государственного Университета (СПбГУ), вошла в книгу "Знаменитые универсанты" (200 ныне живущих самых известных выпускников Университета). Имеет правительственные награды. Член Союза журналистов. Профессионально занимается фотографией с 2001 года.  Основная тематика  съемок - путешествия по разным странам мира и России. Часто путешествует в одиночестве за рулем автомобиля, почти всегда вдали от стандартных туристических маршрутов. Многие фотографии и интервью, ставшие результатом поездок, были опубликованы в различных журналах. Увидели свет статьи о путешествиях по Норвегии, Марокко, Иордании, Въетнаму, Греции, о приключениях в Сахаре, о маленьких колоритных, стоящих на океане городах Марокко, обширные публикации о беломорских островах, скрытых от большинства глаз уголках Карелии и мало известных районах России. Персональные выставки: "Разноцветный Мир" 2005 г., Санкт-Петербург. Петровский Форт. Атриум. "Русский Север. Короткое лето" 2006 г., Санкт-Петербург. Комфорт-Отель. "Норвегия. Дыхание северных фьордов" 2006 г., Санкт-Петербург. Церковь Святого Петра (Петеркирхе). "Россия. Версия созерцания". 2007 г. Российский Этнографический музей.

23 марта 2007 Выставка древнекитайских монет в Историческом Архитектурно-художественном музее (г. Кронштадт) Исторический Архитектурно-художественный музей г.Кронштадта сообщает, что 20 марта 2007 года состоялось открытие выставки древнекитайских монет. Экспозиция включает коллекцию уникальных монет, начиная с самого раннего периода (4 тыс. лет назад) заканчивая памятной монетой, посвященной завоеванию права на проведение Олимпийских игр 2008 года в Пекине. Выставка Древнекитайских монет организована консульством Китая, при поддержке молодежного совета г. Кронштадта и экспонируется в Санкт-Петербурге впервые. Экспозиция включает коллекцию уникальных монет, начиная с самого раннего периода (4 тыс. лет назад) заканчивая памятной монетой, посвященной завоеванию права на проведение Олимпийских игр 2008 года в Пекине. Деньги, как магическая вещь, родилась в первоначальном товарообмене, которым занимались люди с глубоких и древних времен. В Китае более чем 4000 лет тому назад натуральные морские раковины стали самыми ранними деньгами. По мере роста обмена товаров наблюдается большой дефицит раковин. Из-за чего появляются каменные, нефритовые, костяные, медные, бронзовые раковины. С появлением последних связано начало отливки металлических монет. Меч из монет династии Тан (618-907 гг.), сплетенный из более 200 монет, длиной 77сантиметров, под названием - меч Цинфу. Само название меча носит смысл изгнания злых духов и охраны имущества, и домашнего очага. Также представлены 4 нумизматические альбома ("Китайские праздники", "Монеты и каллиграфия", "Китайские мудрецы" и "Альбом с монетами династии Северная Сун"). Идея о симметрической красоте свойственна традиционной китайской эстетике, это нашло воплощение в монетах. Самым типичным примером служат монеты Дуйпиньцянь, которые находились в обращении в эпоху династии Северная Сун (960-1127 гг. нашей эры). Эти монеты были изготовлены в одинаковой форме с легендами в разных стилях. Особенно стоит подчеркнуть, что легенды на сунских монетах представляют собой высокий художественный уровень. Самая главная черта, присущая денежной системе династии Сун, состоит в том, что возникли и начали распространяться бумажные деньги. В 1905 году цинское правительство создало первый китайский национальный банк - Великоцинский Банк. После Синьхайской революции Банк  был переименован в Китайский Банк. В период Китайской Республики (1912-1949 гг.) китайские банковские дела и финансы переживали невиданные изменения. Постепенно сформировалась новая денежная система, в которой главными денежными средствами были банкноты, а монеты стали вспомогательными. Выставка работает с 20 марта по 20 апреля, ежедневно с 11.00 до 18.00, выходной день - среда. Касса и вход посетителей  с 11.00 до 17.00. Адрес: г. Кронштадт, ул. Ленинградская, д.2

20 марта 2007 Cтерлиговцы на Худграфе. МГВЗ Новый Манеж (Москва). 21 – 25 марта 2007 года 21 - 25 марта 2007 года в Москве в МГВЗ Новый Манеж состоится вторая выставка-ярмарка, посвященная графическим искусствам "Худграф". В рамках выставки, галерея МицАрт, Санкт-Петербург, представит проект «Художники школы Стерлигова. Графика». Группа Стерлигова - яркое и интересное явление в современной художественной жизни, известное далеко за пределами Петербурга.  Все мастера - ученики и последователи Владимира Стерлигова (1904-1973),  яркого представителя русского авангарда, ученика Казимира Малевича.  Стерлигов, соединив "дисциплину" кубизма и супрематизма с предложенным Михаилом Матюшиным опытом "расширенного смотрения", стал создателем собственной "чашно-купольной" пространственной системы. Талантливый учитель, он вырастил целую плеяду замечательных мастеров. Владимир Стерлигов стал важнейшим и даже главным звеном, соединившим теоретические искания художников русского авангарда начала 20 века, прежде всего Малевича, и художников-аналитиков 21 века. Мастера стерлиговского круга пишут "жизнь пластической формы", определяющими для них являются идеи соразмерности, согласованности, объединения, целостности, гармонии. На выставке будут представлены работы  Александра  Батурина (1914-2003),  Засл. Худ. России Елизаветы Александровой, Геннадия Зубкова,  Александра Кожина, Александра Носова , Михаила Цэруш, Ларисы Астрейн, Валентины Соловьевой, Светланы Цвиркуновой. А так же Владимира Стерлигова (1904-1973) и ученицы П.Филонова Татьяны Глебовой (1900-1985). Посетителям будут предложены издания: - книга-альбом "Пространство Стерлигова", - каталоги к выставке в Государственном Русском музее Владимира Стерлигова и Татьяны Глебовой, - специально изданный буклет к выставке Худграф "Художники школы Стерлигова. Графика",  - альбомы художников группы. Примечательно, что, несмотря на достаточную известность, работы стерлиговцев в Москве будут экспонироваться впервые. Такая возможность появилась благодаря организаторской и благотворительной деятельности петербургского коллекционера Валентины Милюковой и созданной ею галереи МицАрт. Деятельность галереи в данном проекте имеет целью ознакомление московского и российского зрителя с творчеством этого серьезного и глубокого явления художественной жизни Петербурга, характеризуемого известным искусствоведом Ириной Карасик как "наследники по прямой русского авангарда". В планах галереи организация выставок стерлиговцев в городах России и зарубежом, издание альбомов художников, Интернет- и видеопродукции. Галерея МИЦАРТ г. Санкт-Петербург Телефон  (812)722 15 02  Факс (812) 718 58 67 E-mail mitsart@mitsar.ru www. mitsart.com Директор Милюкова Валентина

20 марта 2007 Русский авангард: наследники по прямой. Художники "Школы (Группы) Стерлигова". Санкт-Петербург. Художники, чьи произведения представлены в экспозиции, в пору своего становления приобщились к искусству авангарда не как к отвлеченной исторической памяти, но как к живому личному опыту. Все они ученики и последователи Владимира Стерлигова. В 1920-х годах Стерлигов входил в "круг Малевича". Общение с Малевичем отозвалось спустя годы созданием - на основе обретенного опыта и одновременно в полемике с ним - собственной пластической концепции. Прямой Малевича Стерлигов противопоставил кривую, квадрату - купол и чашу, разуму - чувство, логике - тайну, бунту - смирение, богоборчеству - богоискательство. "Я учился у Малевича и после квадрата поставил чашу. Как идея - это открытая чаша. Это кривая мира, она никогда не кончится: Прямая - разделяет. Кривая - связывает: Кривая совпадает с природой". Стерлигов, соединив "дисциплину" кубизма и супрематизма с предложенным Матюшиным опытом "расширенного смотрения", стал создателем собственной "чашно-купольной" пространственной системы. Русский авангард: наследники   по  прямой. Художники  "Школы (Группы)  Стерлигова". Санкт-Петербург. Я из 20-х годов. Я ученик Малевича. Владимир Стерлигов Художники, чьи произведения представлены в экспозиции,  в пору своего становления приобщились к искусству авангарда не как к отвлеченной  исторической памяти, но как  к  живому личному опыту.  Все они  ученики и последователи Владимира Стерлигова.  В 1920-х годах Стерлигов входил в "круг Малевича".  Общение с Малевичем отозвалось спустя годы созданием - на основе обретенного опыта и одновременно в полемике с ним - собственной пластической концепции. Прямой Малевича Стерлигов противопоставил кривую,  квадрату  -  купол и чашу, разуму - чувство,  логике - тайну,  бунту - смирение, богоборчеству - богоискательство.  "Я учился у  Малевича и после квадрата поставил чашу.  Как идея -  это  открытая чаша. Это кривая мира, она никогда не кончится: Прямая -  разделяет. Кривая - связывает: Кривая совпадает с природой".  Стерлигов, соединив "дисциплину" кубизма и супрематизма с предложенным Матюшиным опытом "расширенного смотрения", стал создателем собственной "чашно-купольной" пространственной системы. "Последний из могикан", живой свидетель великого эксперимента русского авангарда, в совершенстве владевший запретной в ту пору пластической культурой, глубокий художник, прирожденный учитель,  Стерлигов  привлекал к себе молодежь.  К нему тянулись те, кого не удовлетворяло традиционное образование, кто искал новых путей и не желал прозябать под "серым дождем официоза". Так в начале 1960-х годов вокруг Стерлигова сложилась группа учеников, пополнявшаяся до самой его смерти в 1973. Стерлигов стал звеном, восстановившим прерванную  традицию, мостом, соединившим эпохи и поколения, 1920-е и 1960-е, авангард и андеграунд. В своей "домашней академии"  он  сохранял и культивировал применявшиеся в ГИНХУКе методики, обращая особое внимание на постижение законов пластического формообразования.  Здесь изучали импрессионизм, сезаннизм, кубизм, супрематизм, цветовую теорию Матюшина. Принцип геометризации был по Стерлигову  неотъемлемым условием пластического видения, отправной точкой всякого, подлинно пластического формообразования. Мастер утверждал существование взаимопорождающей зависимости между предметом и пространством.   В картине эта зависимость реализовывалась  при помощи определенных способов изображения. Стерлигов призывал рисовать "черным" - "белое", предмет - фоном, внутреннюю  форму - внешней, "то" посредством "этого". Он акцентировал самостоятельное  значение межпредметного пространства, на которое,  а не на сам предмет,  и нужно делать упор при рисовании. Пустого пространства  для Стерлигова не существовало:  "все -  форма".  Однако "окружающая геометрия" -  нечто  большее,  чем  сумма  приемов изображения.  Речь шла о некой всеобщей соразмерности и согласованности, целостности и единстве, изначальной осмысленности мира.  "Окружающая геометрия" - это метафора  божественного присутствия,  метафора духовности бытия. "Школа Стерлигова", естественно,  не вписывалась ни в какие тогдашние идеологические нормы и могла существовать лишь  в рамках альтернативной культуры. Не случайно Стерлигов называл ее "невидимым институтом" и соотносил с самиздатом - способом издания запрещенной литературы. Однако вряд ли стоит говорить об этом сообществе как о сознательно созданной оппозиционной группе. Демонстративного противостояния режиму не было. Было иное и, пожалуй, более важное - самостояние.  Здесь возникал как бы "островок безопасности", мир,  существующий не столько вопреки художественной и общественной реальности,  сколько помимо нее.  Возникало свое, локальное, приватное, тщательно оберегаемое в этой приватности,  недоступное власти, да и любым непосвященным,  пространство -  пространство духовной свободы.  Принципы Стерлигова составляют своего рода антологию формообразующих принципов,    идиоматический словарь пластического языка ХХ века. Подобная практика в целом (избранными примерами представленная на выставке) соотносится с гинхуковской традицией и может  рассматриваться как интереснейший опыт исследовательской реконструкции и интерпретации пластических концепций русского авангарда, как продукт современного аналитического творчества, основанного на рефлексии и апроприации. Самостоятельные произведения тех, кого -  по имени учителя - стали называть стерлиговцами, - вряд ли вызовут в памяти зрителей    супрематические композиции Малевича или беспредметные опыты конструктивистов. Проблематику авангарда молодые мастера  "получили" не из книг и музейных фондов, а от живых хранителей и продолжателей. Авангард же, как известно, претерпел  эволюцию, обусловленную не только идеологическими запретами, но и собственной внутренней логикой. Поэтому стерлиговцы росли уже на иных идеях и формах - исходивших из постсупрематической живописи Малевича и учеников,  органической культуры  художников матюшинского круга или тенденций "живописно-пластического реализма". Кроме того, авангардные принципы ученики воспринимали не только как принадлежность той или иной исторической системы - "чашно-купольное" восприятие изменяло их, превращая в современные художественные средства.   Стерлиговцы давно уже стали самостоятельными мастерами, однако их творчество, хранящее память об учителе, по-прежнему отмечено чертами "родовой" общности. Владимир Стерлигов прежде всего учил мыслить "не предметами, а отношениями",  учил "рисовать проблему", а не тот или иной сюжет. Воспитанные им художники пишут "жизнь пластической формы", умея наполнить ее особым значением и душевным теплом. Определяющими для мастеров стерлиговского круга являются идеи соразмерности, согласованности, объединения, целостности, гармонии. Такая гармония реализуется при помощи определенных способов изображения, основанных на акцентировании его скрытой геометрии и ритмо-пластических качеств. Геннадий Зубков развивает методологическую составляющую наследия учителя. Именно он после смерти Стерлигова взял на себя роль "хранителя огня".  Ему мы обязаны тем, что эта традиция остается живой, современной и своевременной, вербуя все новых и новых сторонников. По инициативе Зубкова в 1980-е годы ученики возобновляют совместные аналитические занятия, сопровождающиеся, как и при учителе, проблемными выставками, обсуждениями, документальной фиксацией. Пространство искусства Геннадия Зубкова подчеркнуто  структурировано и представляет собой последовательное развитие  некоторого комплекса идей, или - точнее - самостоятельных живописных проектов -  например, таких: "импрессионизм сегодня", "импрессионистический кубизм", "цвет в супрематизме", "назад к природе", "форма делает форму" -   прямо отсылающих и к известным явлениям авангарда, и к объяснявшей их "теории прибавочного элемента" К. Малевича. Художника интересуют закономерности  формообразования, типология способов организации картинной плоскости и цветовых отношений, историческая эволюция живописных систем. Для него создание произведения - это процесс  обнаружения  и решения конкретной пластической задачи.  Разъясняя  понятие "окружающей геометрии, Владимир Стерлигов, говорил о том, что такой способ восприятия мира позволяет увидеть и в предмете, и в "пустом" пространстве  "дивную жизнь форм".  Эту "дивную  жизнь"  сделал содержанием своего творчества Александр Носов.  Поверхность его пастельных листов заполняется движущимися, меняющими на наших глазах конфигурацию и местоположение  клетками-цветоформами, словно резонирующими каким-то, ведомым им одним органическим ритмам природы. Геометрический рисунок, в который складываются неодинаковые цветовые монады, неровен, прерывист, лишен однозначной регулярности, но не хаотичен. Формы подчинены закономерным колебаниям - вверх-вниз, вперед-назад, сжатие-расширение, сгущение-разрежение. Пористая, дышащая,  бархатистая текстура пастели сообщает цвету глубину звучания, заставляет его мерцать и пульсировать, не теряя при этом в силе и напряжении.  В произведениях Александра Кожина связь с учителем, пожалуй,  наименее очевидна. Творческая практика этого художника демонстрирует радикальный выход за пределы "родовой" общности. Свою картину мира художник строит, основываясь на "идее порядка". Математические понятия равенства, подобия, симметрии, пропорциональности, периодичности становятся здесь пластическими проблемами, определяя сам механизм формообразования.  "Мягкая геометрия" - таков, по Кожину,  принцип устройства вселенной.  Решетки и сетки художник заселяет цифрами, вырезанными из  календарей, газет, журналов и книг. Смысловые ассоциации, связанные с цифрами, безграничны -  страж порядка, символ унификации,  образ времени,  магический знак. С этим концептуальным контекстом Кожин работает, однако главный секрет его  "цифромании" заключен все же   в  пластических переживаниях  - пространственных, фактурных, цветовых.  Используя цифру как знак и фигуру, автор угадал в ней потенциал нового, нетрадиционного художественного материала, потенциал острого  выразительного средства Для Михая Цэруша самыми важными оказались, наверное, "цветовые уроки" Стерлигова. "Главное - изображение пространства цветом". "Цвет - форма. Потеря в цвете есть потеря в форме" - сформулированные учителем положения легли в основу собственной живописной концепции. Цвет у Цэруша имеет временную длительность и пространственную протяженность. Его активность многократно усиливается способом "цветоизвлечения" -  крупные, то колкие, то круглящиеся мазки, несущие краску, находятся в постоянном движении, одновременно распыляя и собирая элементы изображения. Динамика дискретных цветовых "атомов", излучая энергию, заставляет пульсировать пространство, делает формы легкими, способными к полету (этот эффект осознан как пластическая задача: некоторые композиции имеют название - "формы в полете").  Любовь к цветовым и фактурным вибрациям не мешает Цэрушу добиваться обобщения, превращая форму в емкую визуальную формулу - живописный иероглиф.  В 1999 году он  создает серию  диптихов   с изображением лаконичных  и однотипных  "мягких фигур", которые называет "знаками. Валентина Соловьёва   сохранила живой восторг  перед окружающим миром.  В ее пейзажах он светел, прозрачен, хрупок - слишком прекрасен для того, чтобы быть реальным. Образ утраченного рая. Он возникает из легкой, пушистой цветной паутины -  разнонаправленных, сетчатых коротких штрихов,  которые, сгущаясь, рождают легкие, тающие формы,  а  разрежаясь - свет и воздух.  Лариса Астрейн  не относится к числу непосредственных учеников Владимира Васильевича Стерлигова. Она присоединилась к группе уже после смерти учителя и  овладевала системой и методом на занятиях, организованных его воспитанниками в 1980-е годы. В наследии русского авангарда  Астрейн более всего близки цветовая теория Матюшина, одухотворенная живопись Елены Гуро. В своих полотнах она создает мир, загадочный и волшебный, похожий на прекрасное сновидение. Сегодня Астрейн более всего увлечена цвето-оптическими задачами.  Красочный слой, состоящий из дискретных,  вибрирующих цветовых единиц,  строится  на  тонких градациях оттенков, обретая радужное сияние и превращая  картину в единую цвето-свето- воздушную воздушную среду.  В этой миражной  среде рождаются и тают легкие формы. Светлана Цвиркунова работает с бумагой иначе - как с материалом,  который имеет толщину, вес, вещественную структуру, может мяться, рваться, махриться. В ее работах есть что-то первобытное,  варварское. Она не скрывает "швов" и склеек,  предпочитает неровные края, массивные тугие формы, резкие сдвиги, густые цвета.  Ее композиции полны какого-то чувственного напряжения, и, являя зрителю результат проведенной работы,  дают представление о процессе. Диапазон представленных личностных версий  символизируют сегодня , как кажется, две фигуры - Александр Кожин и Геннадий Зубков.  Первый  олицетворяет  собой весьма радикальный выход за пределы "родовой" общности, сближение с актуальным западным опытом. При этом значимость стерлиговской школы в становлении его нынешней практики  представляется  несомненной. Второй,  как сейчас говорят,  "тематизирует" художественно- исследовательский момент, присутствовавший в деятельности Стерлигова. Его творчество обретает интерпретационный смысл и вполне соотносится с постмодернистской склонностью к рефлексии и аппроприации. Как кажется,  именно  между этими крайними точками и  разворачивается  сегодня  весь  спектр возможностей той тенденции, которая обозначена на карте  питерской художественной жизни именем Стерлигова. Школа Стерлигова - это и педагогическая система, и пластическая концепция, и формообразующие принципы, и круг людей, и длящаяся художественная традиция. Владимира  Васильевича Стерлигова  не стало в 1973 году.  Но школа  Стерлигова - актуальное понятие, живое, сегодняшнее  явление. Права была Татьяна Николаевна Глебова, жена, друг и соратник художника: "Когда  человек умирает, форма  его дел  и  творчества получает завершение. Развитие ее в данной  индивидуальности кончается.   Но  заключенные  в  ней  современные  идеи и  открытия продолжают жить  в людях, соприкоснувшихся с ними    и воспринявших  от  них то,  что каждому из них нужно".  Ирина Карасик