Новости сайта

18 февраля 2007 Проект «Имя собственное» в БИКЦИМ Библиотеки им. В.В. Маяковского. 12 февраля - 2 марта 2007 г. Информационный центр/Бюро «ФотоДепартамент» представляет проект «Имя собственное» / Известные кураторы представляют молодых фотографов Фотограф Сергей Максимишин представляет молодого автора Анна Майсюк "Последнее лето детства" 5 - 23 марта 2007 г. Открытие выставки - 5 марта в 18.00 Портфолио-ревю - с 18.30. Сергей Максимишин о выставке: Всякое искусство стремится стать похожим на музыку, поскольку музыка единственное из искусств, которое попадает в сердце  не через голову, а внутривенно. Фотография тем лучше, чем меньше в ней литературы и больше "музыки". Хорошая фотография это фотография, которую невозможно описать словами. В эпоху Интернета и прямого эфира задача фотографа изменилась: нам уже не нужно рассказывать о том, ЧТО было, теперь фотожурналист должен рассказывать КАК было. Фотожурналистика стремительно девербализуется, фотокарточка как материальный носитель  информации уже не нужна, нужна  карточка - переносчик ощущений. Формальной границы между художественной и документальной фотографией больше нет - документальная фотография никому не интересна, если она не художественна. Журналистика событий монополизирована телевидением, журналистика мыслей - ушла в Интернет. Фотожурналистика становится журналистикой чувств. Новой журналистике нужен новый язык -  язык ощущений. Многие этого еще не понимают. Те, кто понимают - мучительно пытаются говорить и думать по-новому, но вряд ли им когда-нибудь удастся заговорить без акцента. Для Ани Майсюк - это родной язык. За 6 лет преподавания на Фотофакультете я пришел к выводу, что существует некий врожденный "фотографический слух". Как в музыке - бывают люди лишенные слуха, учить таких - бесполезно: Бог не дал. У большинства - средние способности, при известном трудолюбии "слух" можно развить и воспитать крепкого профессионала. А бывают люди с абсолютным слухом, которые начинают снимать сразу, еще не очень понимая, зачем в фотоаппарате нужна диафрагма. Как Аня Майсюк. Аня - фотограф для фотографов, как Хлебников - поэт для поэтов, а Малевич - художник для художников. Она из тех, кто с легкостью, играючи,   раздвигает горизонты. Глядя на ее фотографии, все время хочется сказать: "Ух ты! Оказывается, и так можно!". Не знаю, удалось ли мне за два года  дать Ане что-нибудь сверх того, что ей дано Богом, но уверен, что наше общение не прошло даром - я многому научился! Анна Майсюк о серии "Последнее лето детства": Селищи - типичная русская деревня. Около 30 домов. 3 км до реки Шелонь. 16 км до райцентра Сольцы и ж/д вокзала. Аавтобус ходит три раза в день. 300 км до Санкт-Петербурга. 15 лет назад Селищи были частью большого колхоза имени Калинина. Сейчас колхоз распался. Молодежь уехала работать в город. В деревне остались одни старики. Все необходимое они выращивают на огороде. На свою маленькую пенсию в магазине покупают хлеб, соль, сахар, сигареты. В соседней деревне осталось несколько семей трудоспособного возраста. Возможности найти хорошо оплачиваемую работу очень мало. Основной источник дохода - продажа леса в Финляндию. Окончившие сельскую школу уезжают в город получить специальность и работать. Летом к бабушкам и дедушкам приезжают в отпуск их дети и привозят внуков на каникулы. Из развлечений для молодежи - дискотека в клубе по субботам и изредка кино. В жару ребята ездят на речку. По вечерам собираются в гараже, который служит им пабом. Мой дедушка родом из этой деревни. После службы в армии он остался работать в Петербурге. Выйдя на пенсию, он вернулся в родную деревню. 16 лет подряд я приезжала на лето к дедушке в Селищи. Прошлое лето было, скорее всего, моим последним беззаботным детским летом. Оно осталось в памяти калейдоскопом воспоминаний. Впереди взрослая жизнь. Расписание ближайших выставок проекта "Имя собственное" Куратор проекта - Александр Китаев Организаторы проекта - Информационный центр/Бюро "ФотоДепартамент" и БИКЦИМ Библиотеки им. В.В. Маяковского, Невский, 20 12 февраля - 2 марта / фотограф Игорь Лебедев представляет: Екатерина Зимина, выставка "Les Metamorphoses" 5 марта - 23 марта / фотограф Сергей Максимишин представляет: Анна Майсюк, "Последнее лето детства" 26 марта - 13 апреля / фотокритик Надя Шерье представляет: Кирилл Арсеньев, "Лицо в квадрате" 16 апреля - 4 мая / фотограф Ася Немченок представляет: Пётр Ловыгин, г. Ярославль Информационный центр/Бюро "ФотоДепартамент" Санкт-Петербург, Невский пр., 20 БИКЦИМ Библиотеки им. В.В. Маяковского

18 февраля 2007 "К чему давно привык". Выставка произведений Андрея Ветрогонского. Живопись. графика. скульптура. 21 февраля - 11 марта 2007 года 20 февраля 2007 года, в 16:00, в Центральном выставочном зале «Манеж» открывается выставка произведений Андрея Ветрогонского «…к чему давно привык…». Живопись. Графика. Скульптура. В экспозиции будут представлены работы художника, созданные в последние десятилетия. Андрей Ветрогонский принадлежит к поколению художников, начавших свой творческий путь в конце 1970-х. В 1981 году он закончил факультет графики Санкт-Петербургского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, мастерскую своего отца - народного художника России Владимира Александровича Ветрогонского. Работая в различных графических и живописных техниках, Андрей Ветрогонский  довольно быстро определил круг любимых мотивов и образов: питерские дворы, северные деревенские пейзажи, портреты близких людей, изысканно-лаконичные в плане использования выразительных средств натюрморты. Его работы как нельзя лучше характеризует поэтическая строка, выбранная им самим в качестве своеобразного эпиграфа выставки - в них действительно все то, к чему давно привык, с чем сроднился, что полюбил художник. В 1990-е годы Андрей Ветрогонский активно занимается живописью. Художника привлекает возможность красочно и пластически выразить всю гамму ощущений, связанную с непосредственным восприятием природы, со сменой времен года, с ритмами современного города. Работы Ветрогонского последних лет говорят о большой внутренней работе, об осмыслении мастером истинных ценностей в  искусстве, формировании самостоятельной творческой манеры. В его живописных и графических пейзажах и натюрмортах есть стремление совместить обобщенный поиск гармонии мирозданья с непосредственным ощущением красоты конкретного мотива. Особенно это характерно для пейзажа - одного из любимых жанров Андрея Ветрогонского. Серии городских  пейзажей, своего рода прогулки по городу,  основаны на единстве сюжетных мотивов и бесконечном разнообразии живописно-пластических характеристик. Небольшая речка Карповка предстает перед нами то загадочно холодной, наполненной голубоватыми сумерками, то пылающей в лучах предзакатного солнца. Для  Ветрогонского эти мотивы как петербургский вариант "Ста видов горы Фудзи". Особая, присущая автору поэтическая интонация, выразительность композиционных и живописно-пластических решений отличают и портреты Ветрогонского. Мечтательность, сосредоточенная погруженность в раздумья - основные характеристики портретных образов. В натюрмортах художник обычные и ничем, казалось бы, не примечательные предметы использует с целью глубокого эстетического осмысления действительности. Спокойные, уравновешенные композиции выполнены с напряженным вниманием к форме и цвету. Когда-то Михаил Врубель назвал творчество "заросшей тропинкой к самому себе". Сохраняя верность принципам своих учителей, Андрей Ветрогонский уже четверть века движется по этой тропинке навстречу своему зрителю и... самому себе. Куратор выставки Ларина Татьяна Николаевна, телефон: 571-73-24. Дополнительная информация, Ерошкина Ирина, телефон: 312-22-43, pr@manege.spb.ru. Место проведения выставки: Санкт-Петербург, Исаакиевская площадь, 1, ЦВЗ "Манеж". Мероприятия открытия выставки (20 февраля):  Пресс-показ: 15:00 Открытие выставки: 16:00 Для посетителей выставка открыта: с 21 февраля по 11 марта ежедневно с 11.00 до 19.00. Кассы и вход с 11.00 до 18.00. Выходной день - четверг.

18 февраля 2007 Персональная выставка Ирины Перовой в ВВЦ Санкт-Петербургского Союза Художников. С 28 февраля по 11 марта 2007г. Перова Ирина Александровна. Педагог детской художественной школы города Сосновый Бор, художник - живописец, член Союза художников России. Ирина Перова родилась и выросла в деревне Дунилово Ярославской области.  "Чудесные восходы, закаты, вечера с тонким золотистым месяцем, пора сенокосов, милые березки, ромашки, запахи пряного донника, радуга, шмели - это все рисовалось много в детских альбомах и перекладывалось в мини рассказы и стихи. Потом синтезировалось желание  стать не только художником, но и педагогом. В 1972 году поступила в ГПИ им. Герцена в г. Ленинграде на специальность художник - педагог. С восторгом провела пять лет в городе, который стал любимым навсегда - с его белыми ночами, классикой архитектуры, людьми, интересными и отзывчивыми. Мне повезло с педагогами: Леонид Васильевич Кабачек - заслуженный художник России, наш профессор живописи; Кузнецов Борис Николаевич - интеллектуальнейший живописец и тонкий психолог; Герман Михаил Юрьевич - интереснейший искусствовед, рассказчик и человек. И многими другими людьми, с помощью которых открывался мир мастерства художника и педагога." С 1980 года работаю преподавателем рисунка, живописи и композиции в Художественной школе города Сосновый Бор. Из года в год персональные выставки в г. Сосновый Бор, в Петербурге и области, в 2002 году выставки в Москве. Что стало основой творчества? Что интересует? - Все интересует!!! - Потому, что - "Мир прекрасен" - я так считаю и это надо увидеть и трансформировать. Увидеть капельку росы и отраженное в ней облако, увидеть январское небо с созвездиями, теплую радугу с майским дождем, цветущий сад, аистов, весенний город и красивых людей в нем, кошку гуляющую саму-по-себе, бабочку над сугробом - и еще много-много чудес вокруг, которые складываются потом в сюжеты и выливаются на полотне. Детство - это золотые нити, которые ведут к бесконечной кладези ощущений запахов, состояний, переживаний и ожиданий чуда. Поэтому часто детство в моих работах оживает в "Золотом звоне", в "Новогодней сказке", в "Ожидании чуда". Написать портреты - это открыть таинство мира человека, который перед тобой, это целая вселенная - будь то близкие люди: муж, дети в детстве и во взрослом состоянии, знакомые и друзья - все интересно. Множество накопленного материала  вылилось в желание показать работы коллегам в Союзе художников.  В 2000 году поступила в Союз Художников России. Неоднократно представляла работы на выставках в Петербурге. В 2002 году по приглашению выставка в Москве. Информационный Центр Организации Объединенных наций предоставил зал для 50 работ, а Всемирный банк принял на выставку 170 живописных полотен. Я уверена, что творчество, в любых его проявлениях, отрицает разрушение, а значит, утверждает созидание и радость в нас и вокруг нас!"                                                                        Ирина Перова. Открытие:  28 февраля  2007г.  в 17.00   в выставочном зале Санкт-Петербургского Союза художников, По адресу: СПб, ул. Большая Морская, д. 38. Выставка будет проходить  с 28 февраля по 11 марта 2007г.  Время работы выставочных залов с 12.00 до 19.00 часов Выходной день - понедельник

18 февраля 2007 Персональная выставка Геннадия Правдина "Музыка тишины" в ВВЦ Санкт-Петербургского Союза Художников. С 27 февраля по 4 марта 2007г. На выставке "Музыка тишины" представлены работы живописца Геннадия Правдина, написанные в творческих поездках по Русскому Северу с 1987 по 2007 год. Это Беломорье, Русская Лапландия, Заполярье, Пинежье, Карелия и старинные русские города Псков и Старая Ладога. Особое место занимает цикл пейзажей, посвященных Соловецкому архипелагу и его самым заповедным островам: Заяцким и Анзеру, а также труднодоступным местностям и островам Беломорья: Керети, Юково, Кондострову, Коткане.  Художник в своих полотнах раскрывает потаенный мир природы Русского Севера. Его неоглядные просторы с тундрой и морем, пустынными островами, скитами и храмами, вросшими в каменистую землю. Твердь земную и небесную, объединенную красотой неброской северной природы, умиротворяющей и наполняющей душу музыкой тишины... Открытие выставки  27 февраля  2007 г.  в 17.00 в выставочных залах Санкт-Петербургского Союза художников, По адресу: СПб, ул. Большая Морская, д. 38. Выставка будет проходить с 27 февраля по 4 марта 2007г. Время работы выставочных залов с 12.00 до 19.00 Выходной - понедельник

15 февраля 2007 Выставка Владимира Холуева. Галерея "Либерти". 21 февраля – 22 апреля 2007 года Арт-галерея «Либерти» представляет: В рамках проекта «Рожденные в СССР» выставка Владимир Холуев (1932 - 2002). Революционер или лирик? К 75-летию со дня рождения и 250-летию Академии художеств. Один из самых талантливых выпускников петербургской Академии художеств второй половины XX столетия, получивший известность как мастер монументальных исторических полотен "Солдаты революции", "Вы жертвою пали", "Строители", Владимир Холуев создал также немало камерных лирических образов. Эта сторона творчества художника редко находила отражение на всесоюзных и республиканских выставках, поэтому она до сих пор наименее известна.  Представленные на выставке, наряду с портретами сталеваров и историческими сюжетами, романтические волжские пейзажи, виды Петербурга и Москвы, картины сельской жизни, натюрморты и женские портреты Холуева дают возможность по-новому взглянуть на творчество художника. Кем же был один из самых ярких мастеров советской реалистической школы живописи? Талантливым создателем масштабных картин трудовых будней советского народа или тонким лириком и философом? Найти свой ответ на этот вопрос может каждый посетитель небольшой экспозиции, включающей более 30 живописных и графических работ мастера. Ясно одно -  имя Владимира Холуева стоит в одном ряду с именами ведущих советских художников: Александра Дейнеки, Владимира Серова, братьев Ткачевых, Вячеслава Загонека и др. Достойный ученик Рудольфа Френца и Евсея Моисеенко, Владимир Холуев не только полностью воплотил в жизнь заветы учителей, но и сумел создать свой неповторимый стиль романтического соцреализма. Краткая биография художника Холуев Владимир Федорович (1932, Рязанская обл. - 2002,  Москва) Живописец Заслуженный художник РСФСР (1975) Родился на ст. Лев Толстой Рязанской области. Окончил Рязанское художественное училище (1946-1951) и Институт им. И.Е.Репина АХ СССР (1951-1957) у Р.Р. Френца, П.И. Ивановского. Работал преимущественно в области жанровой и исторической картины, автор полотен, посвященных рабочему классу. Член Союза художников России с 1960 года. Председатель Правления горьковской организации СХ РСФСР (1975-1977, 1982-1983). Работы художника находятся в ГРМ, в Нижегородском государственном художественном музее и в частных коллекциях. Персональные выставки: 2003 г.  - Нижегородский государственный выставочный комплекс, 2003 г. - Выставочный зал музея-квартиры И.А. Бродского, Санкт-Петербург, 2005 г. - выставочный зал Нижегородского Государственного университета.

15 февраля 2007 Надо уточнить Галина Ваинман-Стожарова 1940 - родилась в Ленинграде 1964  - окончила училище им. В.А.Серова 1965 - начало самостоятельной творческой деятельности 1969 -1995 - участие в выставках в России и за рубежом (Санкт-Петербург, Москва, Киев, Рига, Таллинн, Саратов, Калининград, Львов, Вильнюс, Германия) Персональные выставки 1995 -Дворец Белосельских-Белозерских, Санкт-Петербург 1996 - галерея "Артифиция", Берлин 1998 - галерея "Цунге", Берлин 2001 - галерея "An der Steige Zwei", Майнц-Финтен, Германия Групповые выставки 1997 - "Связь времён", ЦВЗ "Манеж", Санкт-Петербург 1997 - 2006 - "Весь Петербург", ЦВЗ "Манеж", Санкт-Петербург 1998 - лекторий ГРМ, Санкт-Петербург 1999, 2001, 2003, 2005 - международная биеннале "Диалоги", ЦВЗ "Манеж", Санкт-Петербург 2001 - "Москва-Петербург 2001", Большой Манеж, Москва 2001 - "Художественные династии", ЦВЗ "Манеж", Санкт-Петербург 2003 - выставка графиков, посвященная 300-летию Санкт-Петербурга, ЦВЗ "Манеж", Санкт-Петербург 2003-2004 - 1 биеннале пастели, Выставочный Центр Союза художников, Санкт-Петербург 2006 - международная биеннале графики, ЦВЗ "Манеж", Санкт-Петербург Коллекции Произведения находятся в частных собраниях СНГ, России, США, Германии Полёты "Каждая новая картина для меня - это ещё один полёт" Вайнман-Стожарова Произведения Вайнман-Стожаровой покоряют своей откровенностью поэтических мыслей и творческих экспериментов. Одно из главных чувств, которое испытывает человек на выставке художницы, - это радость от собственного открытия красоты, доброты, духовной свободы, воплощенных в искусстве. Натюрморты художницы, удивительно свежие по цвету, выражают восторг автора от сияющего буйства красок. Главное, что их объединяет, - это сила непосредственного впечатления, свежесть мощных, смелых цветовых аккордов и энергия форм. В основе этих работ лежат натурные впечатления, но очень свободно интерпретируемые. Бели внимательно оценивать, казалось бы, точно срисованные с натуры пейзажи, то нетрудно заметить, что главное в выборе мотива - выразительная пластика городского пространства, случайно возникшего из обычных строений. Художница ищет и находит интересные пластические ритмы, звучные цветовые аккорды, и они становятся гармоническим ключом её пейзажных композиций. Свободная композиция как свободная импровизация заданного аккорда и есть основной принцип работы Вайнман-Стожаровой. Произведем! им художницы покоряют яркостью и свободой, но за ним ощущается жёстко задуманная основная гармония, ритмическая структура и тональность. Петербургский искусствовед М. Сошинская Картины Вайнман-Стожаровой наполнены насыщенным цветом. В сияющем золотом, в глубоко синем, в интенсивно зеленом видим мы романтические уголки в стороне от суеты большого города. Иногда воздействие на зрителя усиливается с помощью больших плоскостных структур, с их игрой света и тени; иногда с помощью введения четкого контура, ограничивающего предметы. Санкт-Петербургская художница Галина Вайнман-Стожарсва, рожденная в 1940 году, ищет свои мотивы в безлюдных пространствах улиц. Акрилом и темперой она пишет деревенские пейзажи с цветущими деревьями весной, или живописные фантастические уголки города на рассвете, в неожиданных путешествиях, в разные времена года, в лучах солнечного света или в ненастную погоду. Снова и снова экспериментирует художница в противопоставлении природы и архитектуры: задний план заполнен плотным рядом домов, в противовес им на первом плане располагаются гигантские деревья, или в чётком контуре предметов выступает пышная зелень на фоне архитектурных кубов.Иногда, однако, самостоятельность геометрических форм, чередующихся мотивов создаёт абстрактную композицию или даёт перспективу птичьего полёта в двух измерениях на холсте. Магнус Кемминер, Газета "Allgemeine Zeitung", Майнц, 2001

14 февраля 2007 Международная выставка-ярмарка «Подарок Санкт-Петербургу». Центральный выставочный зал «Манеж». 10-15 февраля 2007 Произведения декоративно-прикладного искусства, изделия народных художественных промыслов и ремесел. Подарки и сувениры. Организаторы выставки: Выставочное объединение  "СИВЕЛ" Ассоциация  "Народные  художественные промыслы и ремесла Санкт- Петербурга  и Ленинградской области"  При содействии Комитета  по культуре  Санкт-Петербурга При поддержке Комитета по внешним связям Санкт-Петербурга Цели выставки: - сохранение и развитие лучших традиций народных художественных промыслов и ремесел; - укрепление межрегиональных и международных связей Санкт-Петербурга. В выставке участвуют около 400 экспонентов: предприятия народных художественных промыслов, творческие коллективы, мастера из 30 регионов России, ближнего и дальнего зарубежья. Основная экспозиция выставки - это продукция всемирно известных центров народного искусства России: хохломская и городецкая роспись по дереву, гжельский, ломоносовский и кисловодский фарфор, ростовская финифть, холмогорская резная кость, жостовские и нижнетагильские расписные подносы, псковская керамика, вологодское и елецкое кружево, торжокское золотное шитье, художественное ткачество и вышивка различных регионов. Несомненный интерес вызывают лаковые промыслы России (Мстера, Палех, Холуй, Федоскино),  предметы убранства интерьера из бронзы и природного камня, выполненные художниками  Санкт-Петербурга, изделия из бересты, великолепные сувенирные  куклы и многочисленная сувенирная продукция. Также будет представлена продукция из Турции, Латвии, Белоруссии, Узбекистана, Казахстана и других стран. Среди российских участников такие известные фирмы как Санкт-Петербургский Монетный двор, ГУП МО "Федоскинская фабрика миниатюрной живописи", ОАО "Торжокские золотошвеи", ООО ТД "Городецкая роспись" (Нижегородская обл.), ЗАО фабрика "Ростовская Финифть" (Ярославская обл.), ЗАО Вологодская Кружевная фирма "Снежинка" (г. Вологда), ЗАО "Хохломская роспись", ОАО "Тканые узоры" (Нижегородская обл.), ООО "Жостовская фабрика" декоративной росписи и другие. В программе выставки: семинары, "круглые столы", мастер-классы, выступления творческих коллективов и артистов. Вы увидите уникальные произведения мастеров и художников из Петербурга и других регионов России, а также зарубежья. Вам представится возможность приобрести или заказать эксклюзивный подарок у высококлассного мастера, получить профессиональную консультацию. Выставка представляет интерес для специалистов в области декоративно-прикладного искусства, представителей оптовой и розничной торговли художественными изделиями, всех петербуржцев и гостей нашего города. В рамках выставки будет работать специализированный салон "ДЕКОРАТИВНАЯ ПОСУДА" Выставка сформирована на базе XVII Всероссийской специализированной выставки-ярмарки "СУВЕНИРЫ. ПОДАРКИ. УКРАШЕНИЯ". Официальное открытие 10 февраля в 14.00, время работы с 11.00 до 19.00

14 февраля 2007 «…к чему давно привык…» выставка произведений Андрея Ветрогонского. 21 февраля – 11 марта 2007 года 20 февраля 2007 года в Центральном выставочном зале «Манеж» открывается выставка произведений Андрея Ветрогонского «…к чему давно привык…». Живопись. Графика. Скульптура. В экспозиции будут представлены работы художника, созданные в последние десятилетия. Андрей Ветрогонский принадлежит к поколению художников, начавших свой творческий путь в конце 1970-х. В 1981 году он закончил факультет графики Санкт-Петербургского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина, мастерскую своего отца - народного художника России Владимира Александровича Ветрогонского. Работая в различных графических и живописных техниках, Андрей Ветрогонский  довольно быстро определил круг любимых мотивов и образов: питерские дворы, северные деревенские пейзажи, портреты близких людей, изысканно-лаконичные в плане использования выразительных средств натюрморты. Его работы как нельзя лучше характеризует поэтическая строка, выбранная им самим в качестве своеобразного эпиграфа выставки - в них действительно все то, к чему давно привык, с чем сроднился, что полюбил художник. В 1990-е годы Андрей Ветрогонский активно занимается живописью. Художника привлекает возможность красочно и пластически выразить всю гамму ощущений, связанную с непосредственным восприятием природы, со сменой времен года, с ритмами современного города. Работы Ветрогонского последних лет говорят о большой внутренней работе, об осмыслении мастером истинных ценностей в  искусстве, формировании самостоятельной творческой манеры. В его живописных и графических пейзажах и натюрмортах есть стремление совместить обобщенный поиск гармонии мирозданья с непосредственным ощущением красоты конкретного мотива. Особенно это характерно для пейзажа - одного из любимых жанров Андрея Ветрогонского. Серии городских  пейзажей, своего рода прогулки по городу,  основаны на единстве сюжетных мотивов и бесконечном разнообразии живописно-пластических характеристик. Небольшая речка - Карповка, предстает перед нами то загадочно холодной, наполненной голубоватыми сумерками, то пылающей в лучах предзакатного солнца. Для  Ветрогонского эти мотивы - как петербургский вариант "Ста видов горы Фудзи". Особая, присущая автору поэтическая интонация, выразительность композиционных и живописно-пластических решений отличают и портреты Ветрогонского. Мечтательность, сосредоточенность погруженность в раздумья - основные характеристики портретных образов. В натюрмортах художник обычные ничем, казалось бы, не примечательные предметы использует с целью глубокого эстетического осмысления действительности. Спокойные, уравновешенные композиции выполнены с напряженным вниманием к форме и цвету. Когда-то Михаил Врубель назвал творчество "заросшей тропинкой к самому себе". Сохраняя верность принципам своих учителей, Андрей Ветрогонский уже четверть века движется по этой тропинке навстречу своему зрителю и... самому себе. Куратор выставки Ларина Татьяна Николаевна, телефон: 571-73-24. Дополнительная информация, Ерошкина Ирина, телефон: 312-22-43, pr@manege.spb.ru. Место проведения выставки: Санкт-Петербург, Исаакиевская площадь, 1, ЦВЗ "Манеж". Для посетителей выставка открыта: с 21 февраля по 11 марта ежедневно с 11.00 до 19.00. Кассы и вход с 11.00 до 18.00. Выходной день - четверг.

14 февраля 2007 Проект «Имя собственное» в БИКЦИМ Библиотеки им. В.В. Маяковского. 12 февраля - 2 марта 2007 г. Информационный центр/Бюро «ФотоДепартамент» представляет проект «Имя собственное» / Известные кураторы представляют молодых фотографов Фотограф Игорь Лебедев представляет молодого автора Екатерина Зимина "Les Metamorphoses" 12 февраля - 2 марта 2007 г. Открытие выставки - 12 февраля в 18.00 ПОРТФОЛИО-РЕВЮ - с 18.30. На открытии каждой выставки молодые фотографы могут показать свои работы кураторам ФотоДепартамента и известным фотографам. Игорь Лебедев о выставке Les Metamorphoses "В фотографии трудно придумать и сделать что- то новое, но это не мешает все большему количеству молодых, талантливых людей вставать в ряды ее почитателей". Игорь Лебедев Мы познакомились с Екатериной Зиминой в 2005 году, когда она записалась на курс практической фотографии Смольного института Свободных искусств и наук СПбГУ, преподавателем которого я являюсь. С этого момента, наблюдая за развитием молодого автора, выбравшего фотографию в качестве главного увлечения, я сталкиваюсь с постоянным желанием автора совершенствовать уровень своих знаний и практических умений. На протяжении всего 2006 года в работах Екатерины был заметен качественный скачок, основанный на изменениях в ее отношении к фотографическому образу и в понимании силы его воздействия на зрителя. Стремление к анализу окружающей жизни привело её к созданию нескольких серий. В них фотография не столько играет роль красивой картинки, сколько, и прежде всего, заставляет задуматься о проблемах современного мира. Первая персональная выставка Екатерины в выставочном проекте "Имя собственное" это замечательное по красоте и актуальности исследование изменений происходящих с публичными имиджевыми образами в пространстве современной культуры. Для того чтобы понять оригинальность этого исследования, стоит обернуться и посмотреть на то, как развивалось это направление фотографии у предшественников. Само название серии "Les metamorphoses" отсылает нас во Францию где в конце 19 века французский фотограф Эжен Атже (Eugene Atge) методично, квартал за кварталом, снимал безлюдные улицы Парижа "фиксируя места преступлений" (В. Беньямин). Где доказательствами становились мало заметные улики, разбросанные по стенам и мостовым в виде царапин, трещин, обрывков афиш и другого мусора. И не случайно первой фотографией в серии Екатерины Зиминой стала смятая листовка с портретом человека, лежавшая в опавшей листве, замеченная внимательным взглядом автора в качестве доказательства эстетического существования образа. Существования, даже после его выхода из бытового употребления. В дальнейшем тему исследования уличного пространства и происходящих в нем изменений, продолжил другой французский фотограф - Брассаи (Brassai). Его серия "Graffiti" начатая в 1930-х годах, уже напрямую фиксировала следы действия природы и человека, оставшиеся на поверхности парижских стен. Он выхватывал из бесконечного потока стремительной парижской жизни отбрасываемые ею нестойкие образы и закреплял их на своих фотографиях в виде абстрактных композиций и карикатурных портретов. Выступая с одной стороны, как документалист, а с другой -- как художник, он впервые в истории фотографии осмысленно и полно зафиксировал артефакты, превращая их авторским взглядом и кадрированием в собственные произведения. Фотографии Брассаи привлекали внимание зрителей к мало заметным, из-за бесконечного наслоения быстро меняющимся, ,картинам уличного не ангажированного искусства, где каждый житель Парижа неосознанно и поневоле участвовал в создании культурного пространства. С такой же внимательностью относится к окружающему миру и происходящим в нем мельчайшим изменениям Екатерина Зимина. Тонко чувствуя пролегающую между красивым и некрасивым границу, она фиксирует в своих работах метаморфозы современной эстетики плакатного человека, мало заметной нам из-за темпа жизни. Время между двумя мировыми войнами становится для фотографии переломным. В этот период в фотографию приходит много художников ищущих возможность "нового видения", позволявшего посмотреть на возможности фотографии с другой стороны. В этот период возникли новые фотографические техники - такие как фотоколлаж, фотограмма (одним из изобретателей фотоколлажа был берлинский дадаист Raul Hausmann). Усилиями художников, использующих фотографию для создания своих произведений, фотоколлаж быстро развивался, что в свою очередь, привело к тому, что сразу после второй мировой войны (в конце 1940-х годов) стало популярным, фотографировать естественным образом возникающие коллажи, сложившиеся из наслоения афиш и объявлений на афишных тумбах, стенах и заборах. В этих работах главным элементом, как правило, становился текст и лицо человека. Позднее такие снимки все чаще выполнялись в цвете, привлекая авторов яркими цветовыми пятнами. Наибольшую популярность это направление получило в 1960-х годах, особенно в Германии и Чехословакии. Не смотря на распространенность таких работ, они редко складывались в серии, т.к. авторы неспособны были перевести свою работу в социальный контекст. В это же время художники начинают использовать в своей работе технику деколлажа, основанную на осознанном составлении работ, по сути копирующих случайно возникающие наслоения рекламных материалов. В этих работах центральное место также занимало лицо человека. В отличие от фотографов, в деколлажи художников всегда закладывался тот или иной контекст, оправдывающий создание работы. Как считает Екатерина основой для создания ее серии как раз и послужили деколлажи. И действительно - то, что запечатлено на ее работах, во многом их напоминает. Прежде всего, способом воздействия на первоначальное изображение. Отрывание, заклеивание, процарапывание, закрашивание, отпечатывание: это только краткое перечисление способов воздействия на плакаты, изображающие людей, а результатом воздействия становится разрушение старого и создание нового изображения, несущего в себе сильный эмоциональный, эстетический и смысловой посыл. Этот посыл и позволил автору, не используя дополнительных технологий, создать работы позволяющие произвести визуальное исследование изменений плоскости человеческого лица. Таким образом, продолжая традицию европейских фотографов, Екатерина Зимина создает новую точку зрения на метаморфозы, происходящие в процессе образования культурного слоя. Но этим значение её работ не исчерпывается. Ежедневно сталкиваясь с образцами имиджевой рекламы, поневоле задумываешься, почему изображения одних людей страдают сильнее и быстрее, чем другие, которые как будто защищены от силовых воздействий. Рассматривая фотографии Зиминой, каждый может попытаться найти ответ и на этот вопрос, становящийся в современном обществе наиболее актуальным в период выборов. Игорь Лебедев Екатерина Зимина о выставке Les Metamorphoses                                                       "Нынче хочу рассказать                                                        про тела, превращенные в                                                        формы Новые".                                                         Овидий. "Метаморфозы" Серия началась в Италии и задумывалась изначально как исследование плоскости человеческого лица. Меня заинтересовали его возможные и невозможные искажения в пространстве и во времени. Первой фотографией стал портрет, изображавший колоритного мужчину с предвыборной листовки, найденной на земле и затерявшейся в опавшей листве южного кипариса. На скомканном, то ли временем, то ли человеческой рукой листе, был портрет, завораживающий своей искаженностью, непохожестью на свой прототип. Исказилось все. Улыбка на лице сползла вниз, в тень трещины бумажного слоя, полностью изменив выражение лица. Цвет от времени приобрел характерный синеватый оттенок, наделивший изображение странным ощущением долгого хранения в фотоальбоме. Да и сам контекст места, контекст города накладывал определенную рамку. Именно этот контекст - взаимодействие города с изображением и заинтересовало меня в дальнейшем. И привело к продолжению исследования - уже в Петербурге. Большой город с желтыми стенами встретил меня невероятно большим выбором эстетических и социальных контекстов. Его стены, без сомнения богатые на визуальные образы и скрытые изображения плоскости. Они словно другая реальность, двухмерная искусственная, но не уступающая трехмерной городской по скорости и интенсивности протекающих в ней изменений. Техника, используемая в моей работе напоминает технику деколлажа, существовавшую в 1960-е годы во Франции, но она почти противоположна классической, т.к. смысловые акценты расставляются не при помощи цвета, а при его отсутствии. В работах известных мастеров этой техники (Mimmo Rotella, Jacques Villegl?, Fran?ois Dufrene) существенную роль играл контекст, в который попадал человек. Он всячески подчеркивался и модифицировался, тем самым, оправдывая присутствие человеческого или нет. В моих же работах, человек сам есть контекст, а плоскость его лица и есть плоскость его обитания. Всё, что происходит в этой среде, все изменения и метаморфозы, я и описываю. Помимо природно-эволюционных искажений, которые происходят с плакатным человеком, я привнесла свои, искусственно внесенные, но чудесным образом наложившиеся на уже имеющиеся слои. Царапины и подтеки, полосы и отпечатки пальцев - всё это еще больше подчеркивает многослойность, присущую настенной живописи. Слои понемногу счищаются, открывая уникальную и оригинальную поверхность стены. На границе этих плоскостных смещений город получает безумно богатые визуальные архивы. Зимина Катя Санкт-Петербург, Невский пр., 20 БИКЦИМ Библиотеки им. В.В. Маяковского

13 февраля 2007 Театр танца «Крепостной балет». Премера. Одноактный модерн-балет «Приступ нежности». Санкт-Петербург «Приступ нежности» (второе название» Любите ли вы французский» - спектакль хореографа-постановщика Елены Прокопьевой, номинанта национальной театральной премии «Золотая маска» в номинациях «Лучший спектакль в жанре современного танца» и «Лучшая балетмейстерская работа» (2000, 2006). Жанр нового спектакля можно охарактеризовать как синтетический: он основан на современной хореографии, но она театральна, драматична, наполнена актерским проживанием. В спектакле кроме постоянных актеров труппы "Крепостного балета" занята приглашенная французская драматическая актриса Virginie Lievre. Идея постановки этого спектакля возникла у хореографа Елены Прокопьевой из постоянного ощущения присутствия в ее жизни французской культуры. Елена никогда не была во Франции, и этот спектакль - попытка рассказать о стране мечты. Это Франция 60-х, но такая, какой ее видит хореограф. Это фантазия на тему пересматриваемых вновь и вновь потрясающих французских фильмов Франсуа Трюффо и Бертрана Блие, перечитанных романов Франсуазы Саган. Это впечатление от работ французских импрессионистов, от нежной и глубокой французской музыки, это ощущения от прикосновения хорошего шелкового белья, это ароматы настоящих французских духов, смешанных с запахом кофе и свежей утренней выпечки. Это красота языка, звучание которого само по себе создает настроение. Музыкальный трек спектакля составлен из французского шансона и мелодий 60-х годов. Спектакль "Приступ нежности" рассказывает о любви, о сложных взаимоотношениях между мужчинами и женщинами. История о том, что и среди огромного количества людей, можно все равно оставаться одиноким, о том, что вся жизнь устроена как игра в "третьего лишнего". Эта история полна драматизма, юмора, близких и понятных всем человеческих взаимодействий и откровений. Попытка проникновения в другую культуру, свежего взгляда на привычные вещи. Режиссер-постановщик - Елена Прокопьева Куратор проекта - Артем Магалашвили Премьера готовится совместно с Некоммерческой организацией "Театр "Визит", и при поддержке Российско-швейцарской Ассоциации, Французского института в Санкт-Петербурге и ресторана "Палкинъ". 19 февраля в 19-00 в Учебном театре на Моховой (Моховая, 35 ) 25 февраля в 19-00 в Центре танца "Визит" (Фонтанка, 50) 4 марта в 19-00 в Центре танца "Визит" (Фонтанка, 50) Театр танца «Крепостной балет» Елены прокопьевой  Елена Прокопьева основала "Крепостной балет" в 1996 году. Театр много и успешно выступал, путешествовал, участвовал в международных фестивалях современного танца. Были созданы спектакли: "Зал ожидания", "Переходный возраст", "Банальная сказочка для взрослых детей", "Пикник", хореографические миниатюры. Спектакль "Любовь моя, цвет зеленый:" по Г. Лорке в 2000 году номинировался на Национальную театральную премию "Золотая маска". Театр, начавший творческую деятельность в Улан-Удэ, работал в Сибири, в Москве, сейчас уже второй год базируется в Санкт-Петербурге. Театр Елены Прокопьевой - синтетический. В каждом спектакле танец, мимика, жест и слово проявляет новый взгляд на вещи, новое ощущение правды и возможностей сцены. Пространство спектаклей насыщено переживанием, в котором нет места пустоте и формальностям. Эстетика спектаклей Елены Прокопьевой во многом близки творениям Пины Бауш, где герои делятся чем-то крайне важным и раскрывают свои человеческие ресурсы, превозмогая пределы искренности, принятой и возможной в театре. В настоящее время в репертуаре труппы два спектакля: "Дождись ангела" и премьера этого сезона "Она едет на велосипеде:", а также хореографические миниатюры. В модерн-балете "Дождись ангела" героев объединяет чувство покинутости, бессвязности бытия. Кто-то вырвался из шумного мира улиц, кто-то сошел с полотна старинной картины. Они вышли из разных миров и соединились за вечерним круглым столом, незнакомые и вынужденные общаться друг с другом. Постепенно у каждого из присутствующих рождается своя история, пронзительная и выталкивающая его из состояния обыденности и безразличия. В миниатюрных зарисовках, где переплетаются танцы и вздохи, жесты и речи, перед нами предстают проникновенные и полные жизни картины. А через легкую, изящную форму, органичную хореографию и высокий эмоциональный накал проступают тихие и светлые истины: Следующий спектакль "Крепостного балета" "Она едет на велосипеде:" по состоянию резко отличается от предыдущих работ Елены Прокопьевой. За легкостью и шутливостью внешней, поверхностной формы спектакля скрывается правдивое и жестокое отражение повседневной действительности. Это спектакль-сон, балет-галлюцинация, который может быть трактован любым из зрителей по-своему, потому что в каждом из нас есть свои собственные "велосипеды". Это наши причуды и странности, наши "непохожести" и отличия от Других. Наталья Васильева пишет о Елене Прокопьевой и ее труппе в журнале "Балет Ad libitum": ":дар хореографа у нее неотделим от дара драматического режиссера и психоаналитика. Ее артисты не дают себе ни в чем поблажки, оправдывая абсурдистские мотивы действия истовой верой в предлагаемые обстоятельства и замечательной драматической игрой: Рекомендую посмотреть каждому. Может быть, тогда мы станем оглядываться по сторонам, прислушиваться к окружающим и кто-то успеет докричаться..." В 2007 году "Крепостной балет" выпускает премьерный спектакль "ПРИСТУП НЕЖНОСТИ /любите ли вы французский?". В этой работе Елена Прокопьева и ее танцовщики пытаются проанализировать образ, возникающий в нашем представлении при словах "Франция 60-х" и "французский", воплотить его на сцене и вызвать у зрителя ассоциации утонченности и изысканности, вкуса и, несомненно, романтической любви!

13 февраля 2007 Персональная выставка Юрия Калюты к 50-летию со дня рождения. Санкт-Петербург. Российская Академия Художеств, Рафаэлевский зал. 7 –25 марта 2007 г Юрий Витальевич Калюта - один из наиболее интересных живописцев Петербурга, ученик А.А. Мыльникова (Мастерская монументальной живописи), Среди художников прошлого оказавших на него наибольшее влияние можно назвать Д. Веласкеса, М. Врубеля, В. Серова, К. Петрова-Водкина, и особо Корнелиу Баба. Напряженная цветовая гамма, свободная широкая манера владения кистью и умение использовать разнообразные фактуры, и в тоже время, психологическая содержание реалистических сюжетов Баба во многом определили путь Юрия. При всем разноообразии жанров в которых работает художник (жанровые композиции, пейзаж или натюрморт) творческая индивидуальность Калюты в наибольшей степени проявляется в его портретной галерее. Это его близкие, семья, портреты жены, сына. Мастер эмоционально работает с мазком и цветовыми пятнами, образное содержание в его изобразительном языке не подавляется, а выявляется декоративными средствами. Для достижения выразительности художник использует какой-либо доминирующий цвет, получая интересное и гармоничное цветовое решение. Часто это вариации красного, то близкого алому раннего Возрождения, то кумачёвому Петрова-Водкина, С 2000 года художник создает серию "белых" холстов, где использует эффект бокового верхнего света и создает плавные перетекания белого цвета и света. Юрий Калюта ведет активную выставочную деятельность. Россия. Германия. Китай. На Первом Пекинском международном художественном бьеннале в 2003 году он получил первую премию, а в 2005 г. - золотую медаль Академии художеств. "Когда я задумываюсь над тем, с чего же начинается та или иная моя работа, будь то портрет, натюрморт или жанровая картина, то не всегда могу дать однозначный ответ. Иногда на первый план выходит восторг, полученный от соприкосновения с натурой, с неожиданным состоянием, освещением, поворотом головы и т.д., иногда - какие-то глубокие философские размышления и желание выразить их через образы любимых людей и предметов. Я никогда не начинаю писать просто оттого, что вот сейчас вошел в мастерскую, и что-то необходимо сделать в следующие минуты и часы. Момент осмысления работы вплоть от первого подмалёвка до завершающего мазка и даже места для подписи сначала происходит в голове, а затем на бумаге либо картоне в виде многочисленных карандашных набросков и цветовых эскизов. Иногда решение приходит моментально, и это великое счастье" Ю. Калюта

13 февраля 2007 Санкт-Петербург. Научно-исследовательский музей Академии художеств и Итальянский Институт представляют выставку «Roma Punto Uno Рим. Первая остановка». Тициановский зал. 28 февраля – 25 марта 2007 170 работ 71 художника.Идея выставки оригинальна – десятки художников, имея в распоряжении небольшое пространство, с максимальной выразительностью передают свой творческий импульс, источником которого является Вечный Город - Рим, погруженный в свою историю, но живущий в настоящем. Формат работ (18 х 24 см.) и сама структура выставки определили ее склонность к путешествиям. Упакованная в пару ящиков она стала передвижной. Новая выставка, которую увидят петербуржцы, уже успела продемонстрировать тенденции современного итальянского искусства XXI века и работы целого поколения художников, работающих сейчас в Риме, жителям Южной Кореи и Японии. Сейчас она встречается с российским зрителем. Прообразом этого проекта стала выставка, задуманная в Галерее Мары Кочча на Виа Дель Корсо (Рим) и представлявшая итальянское искусство странам Северной Европы в 80-х гг. прошлого, XX, века. Открытие выставки 28 февраля в 15-00 Любая новая выставка, не говоря о множестве иных откликов, вызывает простой и даже очевидный вопрос: в чем ее своеобразие. Чаще всего, оно в особом мировосприятии, которое она излучает на различных языков, в разных стилях и формах. В чем же своеобразие "Roma Punto Uno"? Прежде всего, не мудрствуя лукаво, можно говорить о новом в социологии. Это "новый Рим" наших дней, не обобщенно единый, но, как большинство современных городов, состоящий из мириад совокупностей, пестрых, разноперых, несхожих по происхождению. "Фауна" выставки так необычайно многообразна, что журналисты очертили и описали ее как "планету искусств Рим". На этой выставке Вечный город отважно раскрывает свои тайны; она являет миру хронику его многообразных ощущений, насущных нужд и свойств. Это насыщенная, лихо закрученная повесть, в которой о духе и материи мира рассказывают разные диковинные силы и сильно ощутимые отклонения: внутренние метаморфозы, хрупкость мироздания, смена обличья, вымысел, духовный мир, а также зачастую некая недостоверность и переменчивость чувственного восприятия. Это недоверие чувствам разными путями и средствами обнажает глубокую и неизлечимую болезнь: разрозненность общества и отчужденность человека, или, как обычно говорят, потерю целостности "я". Лишь "стержни личности" обитателей (эталон и мерило их самоопределения, матрица их представлений) откроют единственно важную правду о городе на выставке, составленной из кусочков отдельных "стержней" - частичек личностей художников. Такое расщепление, даже "распыление" личности на множество частиц: форм, сущностей, материй, взглядов - порождает сеть крайне отчетливых связей, властных выразить всевозможные причудливые силы, которые одушевляют искусство, причем не только в Риме. Эту грань в проекте "Roma Punto Uno", как и в самом городе, выражают независимые синтаксические единицы. Они образуют назывной по стилю текст, с помощью которого искусству, как целому, удается лишь отождествить себя с неким аритмическим зигзагом кардиограммы. Можно сказать, что произведения искусства подобны фразам из текста реальности. Реальность эта и есть Рим. Может показаться, что речь здесь о выставке натуралистической, но это не так. Хотя перед нами и портрет города, "Roma Punto Uno" - выставка, так сказать, плутовская: мир и реальность в ней - сцена, где разыгрываются похождения персонажей. Да и может ли быть иначе у художника, рожденного в наши дни? Ведь для него ось существования - разум, на экране которого записываются жизнь и опыт. Каждая работа здесь - заветное слово, отворяющее дверь в мир приключений, и отыскались эти волшебные слова в языках, выросших из описанного расщепления. Они сплетаются в единую повесть: работа за работой, глава за главой все более и более вырисовывается "реальный и обобщенный" образ рассказчика. Он превращается в протагониста истории. Этот рассказчик - сам Рим. Назвать ли нашего рассказчика ГЕНИЕМ МЕСТА, памятью, постижением истории или тысячей иных имен, это не изменит сути. Произведение искусства всегда очень прочно связано с местом, пространством и временем своего создания. Во многих отношениях, именно они предопределили его появление на свет. Если не сам художник, то, по крайней мере, место создания произведения и есть почва, питающая его, естественная среда его "произрастания". Говоря языком искусства, место действия, город, наш Рим, служит РАМОЙ картины. Его никак не проглядишь. Рим - это покров, телесная и бесплотная оболочка, которая окутывает и заключает в себя все эти полотна во времени. Город-мать скликает их и признает своими детьми. Они приходят к ней разными путями-дорогами, отличными, как несходны связующие нити беседы: общение, родство, страсть и нежность, отчужденность, близость, похожесть и разница характеров - все, как у отпрысков многодетной матери. Как любая мать, как любой город, Рим - осмотрителен и безрассуден со своими детьми, он не безличное целое, не равнодушный чужак. Тысячелетия истории не прошли даром. Груз их, конечно, тяжел, при этом он постоянно отзывается в настоящем. Мало того, если представить, что Рим - это рама, то обрамленная "картина" предстает перед всяким художником столь густо заселенной и запруженной людьми, что протиснуться на нее очень и очень непросто. История - утешительница и учительница жизни. Ни для кого не секрет, что она еще и "спасительная благодать". Ведь, узнавая и признавая ее, мы учимся не повторять прошлого и не ступать на те пути, по которым, на благо ли во вред ли, наши предшественники уже дошли до логического предела. История убеждает также, сколь бессмысленны дороги, ведущие к сомнительным победам или в никуда. Поэтому определенные художественные явления и методы, сколь бы стойкими они ни были, с трудом приживаются в нашем городе даже на краткий срок, Хотя эти течения осаждали городские стены и в далеком, и в недавнем прошлом, штурм, редко бывал успешен: все они не вышли за пределы стилистического эксперимента, забавы, веянья моды. Ведь Рим ничем не удивишь, он все перемалывает - здесь кроется и его величие, и его ограниченность. Каждый местный житель знает, что Рим как будто живет своей собственной жизнью, не сводящейся к жизни его обитателей. Они здесь, как ни странно, лишь "довесок", бессильный проявиться в вечном образе города. Если каждый вводный текст обязан воспроизводить природу своего содержимого, нашему введению стоит, по закону аналогии и подобия, непременно преобразиться в согласии с концепцией проекта, - стать общей Рамой. Эта рама одновременно охватывает и объединяет все грани - соответствующие числу представленных художников и раскрывающие дух нашего города и душу выставки. Работы и художники подобны фрагментам мозаики, каждый из которых живет сам по себе, у каждого своя захватывающая история. При беглом осмотре ясно, что Рим дарит множество творческих возможностей, бессчетных, как его обитатели и лики. "Roma Punto Uno" легко вообразить портретом, но, прежде всего, наша выставка - путешествие, в котором смешались радость и печаль. В нем и бурление жизни, и тонкая насмешка. По дороге путешественник обретает терпимость к другим при сохранении индивидуальности - и в этом стоит признать свойство нашего времени, но особенно нашего города. В итоге появляется новое видение мира, новая концепция природы, исторического развития, прогресса, времени, пространства, материи и причинности. Представленные работы приносят искру новой культуры, вовлекающей все общество. В новой атмосфере искусство все основательней и необратимей уходит от устроительного и даже исключительно утешительного смысла художественного произведения к идеям и практике, которые рождаются под знаком экзистенциального разлада. Это эстетика, в которой побуждающие жесты и коммуникативные эффекты соответствуют "посланиями", будоражащим "водную гладь" -избегая отклонений, они устремляются к сути, к неизвестности или к мало известному. Мы старались дать здесь некое отвлеченное обобщение. Ведь, взявшись за работу в едином формате, участники проекта "Roma Punto Uno" остаются очень не схожими между собой: перед нами панорама необычайно различных мировоззрений, условий жизни, поколений и в частности стилей и способов изображения. Но если "Рама" истинна, то они живые участники беседы, или, как мы уже сказали, приключения, которое развивается во времени и пространстве, словно неустанная "страда" целого города, и не обязано своим существованием ничему, кроме самих принципов искусства. Некоторые художники ищут поэтику в возведении своего творчества к самым корням поля, часть которого оно составляет и в котором находит собственное место. Другие, в свою очередь, исследуют языки искусства, превращают их в каркас, в базовый курс грамматики, чтобы уже к нему привить новые значения, затрагивающие измерение земного существования. Это лишь две неоднократно исследованные грани, которые по существу можно назвать основными потоками, из которых вытекают все прочие направления исследования. Подход варьируется в зависимости от индивидуальных случаев: от традиционализма до космополитической эклектики, от обращения к экзистенциальному содержанию до балансировки в поле смешения опыта и воображения. Но сейчас все они стремятся к полному и окончательному отречению от концепции произведения искусства как независимого объекта. Искусство - это неспокойный организм в среде мыслительных процессов и сил; для молодого поколения особенно существенен прагматизм, нацеленный более на сложный диалог, чем на примитивный монологизм повествования. Искусство не отказывается от познавательной и эмансипирующей функции и стремится создать через, порой пародийные, образы и представления некую область изобразительной беллетристики или антитезу окружающей нас реальности. Ведь искусство - это всего лишь способ оценки и исследования реальности. Мы часто видим, что роль содержания и языка сводят (причем не только технически) к средству, с помощью которого решают частные и общие проблемы воспроизведения, действия, воссоздания, ведь все без исключения - часть реальности. Правда, искусство не занимается здесь явлением самим по себе или в каком-то из его материальных проявлений, замеченных в настоящем или воссозданных по памяти. Скорее, именно законы реальности будоражат художественное чутье и властвуют над изысканиями, те законы, которые существуют во времени и пространстве вне сферы зримого. Именно в них художники стремятся распознать истинное, потаенное значение самой действительности. Конечно, то, что мы только что сказали, категорично и отвлеченно, но без него не прояснить некоторые аналогичные или взаимосвязанные черты творческого исследования, которое сейчас ведется и проходит в Риме. Короче говоря, с одной стороны, существует стремление к знанию и, следовательно, к концептуальной сущности феноменальной реальности. С другой стороны, то, как некоторые универсальные понятия соотносятся с миром чувств, позволяет иногда созерцать нечто таинственное и невыразимое. Один подход принимается за обыденную историю, недавнюю или давнишнюю, чтобы переосмыслить ее сроки и масштабы, другой словно применяет метод, который подавляет прошлое, и художник устремляется туда, где еще нет известных или предопределенных решений. Ведь как раз при переходе через рубеж веков новая эпоха как бы стремится планомерно уничтожить и мир явлений, и мир идей и погрузиться а толщу творческого процесса. Поэтому теперь самое время ревностно искать поддающуюся проверке связь между изменениями в средствах выражения и переменой как картины мира и жизни, так и совокупности смыслов, присущих искусству этих лет - времени, до краев полные судьбоносных событий. Необходимо показать самые серьезные кризис, наиболее явные центробежные и центростремительные процессы в сфере общественных явлений и структур, вызванных к жизни событиями, которые затрагивают наше существование настолько, что постоянно присутствуют, даже если они не проявляются явно и не связаны с истоком творчества. Кроме того, необходимо добавить, что, когда взгляд не так поглощен образом исторической и общественной реальности в искусстве, мы осознаем существование других сил, действующих в тех же обстоятельствах. Как их ни назови, действующие силы, касающиеся более антропологической, чем социологической структуры, разнонаправлены. Иногда они явно противодействуют тем самым импульсам, которые меняют миропорядок, а значит, тому, как люди осмысляют и представляют мир. В зависимости от угла зрения, этот подход можно описать и определить по-разному. Кто-то назовет его сознательно "иррациональным"; кто-то увидит действие сил, обращенных на выявление бессознательного; иной скажет, что это решающий шаг в переходе от объективного к субъективному или даже торжество метафизического мгновения. А для кого-то в нем и вовсе - пора, когда чувство одолевают разумом и постигаешь эмоциональные истоки искусства. Марио де Кандиа

13 февраля 2007 «Петербург глазами студентов». Санкт-Петербург. Выставочный зал Музея фотографии. 21 февраля - 18 марта 2007 года Независимые кураторы: Алексей Царев и Солмаз Гусейнова, совместно с Фондом Исторической фотографии им. Карла Буллы, при технической поддержке компании EPSON информационной поддержке Информационного Центра/Бюро "ФотоДепартамент" представляют фотовыставку «Петербург глазами студентов» 21 февраля - 18 марта 2007 года. Выставка "Петербург глазами студентов" - это взгляд студенческой молодежи на город, в котором они живут и учатся, на жизнь и людей в нем, на самих себя, на явления и события происходящих в современном Петербурге. Это первый выставочный фотопроект в Петербурге, представляющий любительскую фотографию на высоком художественном и техническом уровне. В проекте принимают участие студенты различных вузов Санкт-Петербурга. Впервые выставка "Петербург Глазами Студентов" была инициирована Студенческим Советом Санкт-Петербурга при Комитете по Молодежной Политике правительства Санкт-Петербурга в ноябре 2006 года. Приглашенными кураторами стали фотографы: Алексей Царев и Солмаз Гусейнова. 17 ноября 2006 в рамках празднования Дня Студента в Колонном зале Университета Путей Сообщения состоялась однодневная выставка, где зрителям были представлены 40 работ 13-ти авторов - студентов вузов Санкт-Петербурга. Выставка получила много положительных отзывов от зрителей и участников. Поэтому кураторы выставки приняли решение о продолжении данного проекта. Предлагаемая Вашему вниманию выставка - это новый проект, объединяющий лучшие фотографии ноябрьской выставки с работами новых участников, для многих из которых эта выставка - первая. Новая выставка объединяет 80 фотографий 32 авторов, среди которых есть как российские, так и иностранные студенты. Всего было предоставлено около 1700 фотографий 56 авторов. Участники выставки: Тимур Ахмедов, Наталья Бальчюнайте, Дмитрий Барсов, Татьяна Веселова, Вячеслав Горбунов, Нурбек Зулькайнаров, Екатерина Кара, Анна Кириллова, Жуйзяо Ли, Ван Лу, Филипп Лукманов, Анастасия Лыщева, Син Чже Мен, Илз Ме4, Сергей Мисенко, Михаил Мокрушин, Дмитрий Муравьев, Майа Насирова, Константин Новиков, Михаил Огнев, Дмитрий Пащенко, Татьяна Плотникова, Екатерина Рошет, Рамина Сарсаниа, Тан Сыюнь, Екатерина Филиппова, Антон Хлабов, Анна Шиллер, Антон Юликов, Эльмир, Дарья Ярмак и неизвестный автор. Выставка будет проходить выставочном зале Музея фотографии им. Карла Буллы, по адресу: Невский пр. 54, 6-й этаж Торжественное открытие выставки 21 февраля в 18.30

8 февраля 2007 Выставки «Ангел над городом» и «Флейта мима» в Выставочном Центре Санкт-Петербургского Союза Художников Союза художников Санкт-Петербурга. С 6 февраля по 18 февраля 2007г Выставочный Центр Санкт-Петербургского Союза Художников Союза художников Санкт-Петербурга приглашет на выставку «Ангел над городом» Ольги Лысенковой (горячая эмаль, текстиль) и Анастасии Соболевой (живопись) и на выставку «Флейта мима» Василия Щербинина (фотография) Ольга Лысенкова - выпускница Художественно-промышленной академии им.Мухиной. С 1991 года - член Союза художников России. Экспонент более 50 выставок в России и за рубежом, международная выставка "Эмаль. Текстиль. Керамика" (Германия, Дадесхейм, 1995), международный фестиваль эмали (Токио, 1996; Ярославль, 1998), всероссийская художественная выставка к 2000-летию Рождества Христова "Имени Твоему" (Москва, ЦДХ, 2001) и др.), в том числе шестнадцати персональных. Работы О. Лысенковой находятся в галереях и частных коллекциях России, США, Германии, Испании, Австралии. Художник работает в разных техниках: горячей эмали на меди, росписи по ткани (батик), гобелена, акварели. Эмаль - особый сплав стекла с окислами металлов. В процессе создания художественного произведения на медную пластину специальными огнеупорными эмалевыми красками наносится роспись. В дальнейшем после нанесения каждого слоя краски (около 30 раз) пластину обжигают в печи при температуре 850°. Эта техника изобретена более 4 тысяч лет назад и сегодня она переживает своё второе рождение.В творчестве О. Лысенковой есть определенный круг тем, к которым художник постоянно обращается уже на протяжении нескольких лет. Особое значение мастер придает теме ангела-хранителя. Этот образ постоянно варьируется и развивается в ее работах ("Рождественский ангел", "Ангел, разбрасывающий розы", "Ангел с птицей", "Снежный ангел"). Эмали художника изысканны и пластичны, но в то же время обладают удивительной динамикой: яркие, насыщенные цвета; темпераментно, почти стихийно перетекающие живописные массы умело сочетаются с резкой сменой фактур. Нередко художник вводит в свои работы предметы, обладающие определенной "исторической памятью": это может быть случайно найденная старая, почерневшая от времени доска, обломок весла или деревянное колесо. Они служат своеобразным "обрамлением" произведений и становятся неотъемлемой частью художественного образа ("Колесо быка") Анастасия Соболева молодой петербургский живописец - монументалист. Окончила СПб ГХПА Представляет серию живописных работ, созвучных основной теме проекта. Это ожившие многоцветные образы архитектурного декора нашего города, живущие параллельной с нами, тайной, но значимой жизнью. Работы проникнуты полифонией цвета и мягким импрессионическим гротеском. Василий Щербинин - петербургский художник-дизайнер. Работает в области дизайна интерьера. Фотографии В. Щербинина запечатлели Петербург - застывший, молчаливый, почти безлюдный. Умиротворенный, элегичный город часто предстает в туманной дымке в ранний предрассветный час. Фотограф пытается найти не только непривычные, неожиданные ракурсы, но и экспериментирует, совмещая фотографическое изображение с его зеркально отраженной копией. В результате знакомый фрагмент городского пейзажа становится источником новых образных ассоциаций. Совместная выставка Ольги Лысенковой и Василия Щербинина с успехом экспонировалась более месяца в выставочном зале Иоановского равелина Петропавловской крепости Государственного музея истории Санкт-Петербурга и теперь представлена зрителям Союзом Художников Санкт-Петербурга. 10 февраля 2007г. с 13.00 до 15.00 состоится акция "Дети рисуют Ангела". Организаторы проекта приглашают к сотрудничеству всех заинтересованных лиц.

8 февраля 2007 Выставка Андрея Владимировича Семченко и Натальи Владимировны Долинской. Выставочный Центр Санкт-Петербургского Союза Художников Союза художников Санкт-Петербурга. с 6 по 18 февраля 2007г. Выставка посвящена 75-летию со дня рождения художников. Ленинградские скульпторы А.В. Семченко и Н.В. Долинская принадлежат к поколению первых послевоенных выпускников ЛВХПУ им. Мухиной (бывшего училища барона Штиглица). Они поступили на отделение скульптуры в 1948 году. Учились в одной группе. В 1956 году стали мужем и женой. Их творческая карьера начиналась с дипломной работы - это был мемориал защитникам Ленинграда на Серафимовском кладбище. Тогда же художники вступили в ЛОСХ. В дальнейшем А.В. Семченко и Н.В. Долинская больше 30-ти лет посвятили преподавательской деятельности в стенах Мухинского училища. А.В. Семченко - профессор кафедры архитектурно-декоративной пластики, известный скульптор-монументалист. Среди его работ такие масштабные проекты, как бронзовый фриз на фасаде Финляндского вокзала и памятник морякам - выпускникам ВВМУ им. Фрунзе в Ленинграде, монумент "Вагон смерти" в г. Семипалатинске, памятная стела "Салават" при въезде в одноименный башкирский город, памятник героям-пожарным в г. Ярославле, надгробие поэта Всеволода Рождественского на Литераторских мостках и многие другие. А.В. Семченко известен также как автор многочисленных лирических композиций и женских портретов, выполненных в красном дереве. Н.В. Долинская - также работала в области монументальной скульптуры, но более известна как тонкий мастер психологического портрета. Ее небольшие по размеру произведения, выполненные в дереве, бронзе и керамике, отражают спокойное благородство и сосредоточенную внутреннюю жизнь людей, дорогих художнику. Этой традиции, идущей от итальянской скульптуры эпохи Возрождения, Н.В. Долинская следовала всю жизнь. Среди вышеупомянутых работ - замечательные портреты архитектора В.А. Герасимова и профессора В.Н. Тюлина (собрание ГРМ), княгини Марии Волконской (музей Декабристов в г. Кунгуре) и астронома Б.В. Нумерова (музей Пулковской обсерватории), композиция "У вечного огня" (музей Обороны Ленинграда), портрет матери, т.д. и т.п. Важный этап в творчестве художника представляет серия мелкой пластики, вдохновленная греческими статуэтками Танагры. Небольшие фигурки выполнены в терракоте и раскрашены ангобами. До последних лет жизни Н.В. Долинская работала в своем любимом жанре - анималистике, умело используя в работе природные особенности дерева (скульптуры "Сова", "Выдра", "Обезьяна" (ГРМ). Работы А.В. Семченко и Н.В. Долинской находятся в собрании Государственного Русского музея, в коллекциях многих музеев Санкт-Петербурга и России, и в ряде частных зарубежных собраний.